Наши статьи

[Штальбург]

СВЯЗАННЫЕ ОДНОЙ ЦЕПЬЮ...

И последний пост, который дает возможность глубже понять взаимоотношение в этом треугольнике между Кларой, Робертом и Брамсом. 

Клара Шуман Вариации на тему Роберта Шумана op. 20

После успеха "Детских сцен" Шуман издал Bunte Blätter op. 99 («Красочные листья»). Четвертая пьеса в этом гениальном сборнике представляет собой внешне очень простую тему, но с необыкновенными модуляциями.

https://www.youtube.com/watch?v=KmWsyqz4c28

Эта пьеса послужила вдохновением для трех пьес "Тема и вариации", ор. 20, сочиненная Кларой в 1853 году и подаренная Роберту на день 8 июня с подписью «Любимому мужу»

https://www.youtube.com/watch?v=FycuNTKqVYU

Брамс обнаружил это произведение в доме супругов, когда Роберт был в психолечебнице после прыжка в Рейн, и сочинил "Тему и вариации", ор. 9, где вновь фигурирует тема из 4-ой пьесы «Красочных листьев». Взяв ту же тему, что и Клара у Шумана, Брамс хотел глубоко тронуть ее сердце и утешить. В пьесе, посвященной Кларе, – и горе от болезни Шумана, и сильная страсть к замужней женщине. Брамс разрывался, ему было всего двадцать два года.

https://www.youtube.com/watch?v=rL6quXBf0kI

Вообще, Брамс был очарован Кларой. Он наполнял свои произведения ссылками на ее сочинения. К примеру, вы помните великое виолончельное соло во втором фортепианном концерте Брамса? Так вот, композитор сделал это под влиянием медленной части фортепианного концерта Клары, где соло виолончели отличается оригинальностью и красотой.

 

 

[Serg53]

7 часов назад, Штальбург сказал:

И последний пост, который дает возможность глубже понять взаимоотношение в этом треугольнике между Кларой, Робертом и Брамсом. 

На " всемизвестном " есть интересный немецкий фильм ( есть русский перевод) .  

Шуман. Клара. Брамс. / Schumann. Klara. Brahms.

Год выпуска: 2006
Страна: Германия
Жанр: музыкальный, документальный, биографический
Продолжительность: 0:45:48
Перевод: Профессиональный (двухголосый)
Русские субтитры: нет

Жизненная драма Шумана стала основой сюжета документального фильма «Шуман. Клара. Брамс» (7.06.10). Авторы не стали рассказывать биографию композитора и не пытались что-либо обобщить. Скорее, это несколько штрихов к портрету композитора сквозь призму его непростых отношений с женой Кларой и молодым композитором Иоганнесом Брамсом. Любовный треугольник, который в итоге образовался между Робертом Шуманом, Кларой Шуман и Иоганнесом Брамсом, — одна из наиболее завораживающих историй любви в мире музыки. В фильме участвуют: Элен Гримо, Анна Софи фон Оттер, Трульс Мёрк, Альбрехт Майер. В их исполнении прозвучат произведения Иоганнеса Брамса, Роберта и Клары Шуман. Но главным материалом картины являются письма и дневники героев. Бумага пронесла через века благоговейное отношение и трепетные чувства, которые жили в сердцах этих людей. Фильм дарит возможность прикоснуться к этому ценному и наиболее достоверному источнику.

[Штальбург]

Небольшой воскресный репортаж о жизни пианистов

Вот так живет успешный немецкий пианист-интеллектуал Альфред Брендель на севере Лондона

А вот так живет один из самых успешных современных пианистов французский эстет Жан-Ив Тибоде в своем доме в Лос-Анджелесе

Пианисты...Они разные...

 

[Штальбург]

Сегодня, 22 мая, родился Рихард Вагнер

Фортепианные произведения Вагнера прослеживают его музыкальное развитие и предвещают великие оперы.

Фортепианное творчество Вагнера занимает довольно скромное место рядом с грандиозными операми композитора. Тем не менее, его фортепианные произведения уже содержат драматические особенности опер, иллюстрируя эволюцию музыкального языка. К примеру, в первой Сонате си-бимоль мажор вполне можно найти симфоническое ДНК его мышления. Объемы первых фортепианных опусов Вагнера были весьма значительны. Фантазия фа-диез минор – 25 минут, а Большая соната(Grand Sonata), в которой молодой композитор выражает свое восхищение Бетховеном - 30 мин. Однако эти произведения серьезно уступают, так называемому, «альбомному» творчеству Вагнера, посвященному его ближайшему окружению.  

Фортепиано становится средством выражения редкой интимности, свидетельствующей о чувствах Вагнера к Матильде Везендонк - жены мецената Отто Везендонка и автора стихов, которые композитор положит на музыку. 

Матильде Вагнер посвятил Сонату ля-бемоль мажор («Альбомная соната»), написанную в 1853 году. Мотивную ткань сонаты можно рассматривать как предтечу музыкального языка "Тристана", либретто которого Вагнер лично подарил Матильде, ставшей на некоторое время его «Изольдой».

Альбомная соната – это лучшее фортепианное сочинение композитора, созданная в похожем поэтическом ключе, что и соната Листа, написанная в том же году. Пронизанная огненным накалом, прелюдия сонаты достойна опер. Здесь присутствуют все признаки вагнеровской драмы: опьяняющая атмосфера, колеблющиеся гармонии, мелодическое богатство, мастерство фактуры и повествования, доселе неслыханное в его фортепианных сочинениях. Возможно, в этой симфонической поэме для фортепиано, написанной во время работы над "Золотом Рейна", мы можем услышать лейтмотив "Зигфрида" или уж точно - зарождающиеся идеи "Тристана". 

В выложенном видео пианист Кит Армстронг исполнил эту сонату три года назад в Байройте. Сказочным фоном для нее послужил Маргравиальский оперный театр Байройта - один из самых красивых барочных театров в мире. Если не слышали это прекрасное произведение, то очень советую. 

Атмосферу и эмоции «Тристана» очень напоминает и еще одно необыкновенно красивое фортепианное сочинение – Элегия, известное как "Schmachtend" ("Томление").

Здесь она в исполнении Святослава Рихтера, который очень ее любил играть

https://www.youtube.com/watch?v=Y-4q1-Ug4n4

Таким образом, фортепиано Вагнера еще хранит множество сокровищ, которые только предстоит открыть. 

 

 

[Serg53]

5 часов назад, Штальбург сказал:

Сегодня, 22 мая, родился Рихард Вагнер

Спасибо Вам за всегда интересный и познавательный материал!  Но хотелось бы Ваших путеводителей и по операм Вагнера - жаль что эта тема немного узка. Может можно это будет как то исправить и расширить? Люблю его оперы ( правда больше увертюры))

[Штальбург]

Сегодня еще одна замечательная дата - день рождения Игнаца Мошелеса

Он был не только фантастический пианист, но и великий музыкант, знаток всех музыкальных стилей, создатель сольного фортепианного концерта и активист, возродивший раннюю музыку. 

1. Характер

«Лучший из отцов, мужей, сыновей и друзей». Так Шарлотта Мошелес описала мужа в последнем абзаце книги «Жизнь Мошелеса». И это мнение разделяли все, кто его знал, считая необыкновенно искренним, добрым и щедрым человеком. Его все любили и хотели дружить. Этот добродушный человек был близок с Бетховеном и Шубертом, Шпором и Гуммелем, Керубини и Мендельсоном, Шуманом и Паганини. Мошелес бесконечно помогал людям, жертвовал большие суммы для поддержки пожилых и больных музыкантов, их вдов и сирот. 

2. Дружба

Мошелес и Мендельсон - это самая удивительная и уникальная дружеская связь в истории музыки. О теплоте, интенсивности и глубине этой дружбы знали и восхищались в то время асболютно все. Фактически, Мендельсон был членом семьи Мешелесов. Сын Мошелеса Феликс, названный в честь Мендельсона, писал, что у отца и крестного «было четыре руки, но лишь одна душа». Они вместе праздновали все дни рождения и Новые года, утешали друг друга во время тяжелых испытаний, помогали друг другу в профессиональной карьере. Мошелес и Мендельсон были двумя величайшими импровизаторами всех времен. Друзья много проводили времени, наслаждаясь моментами совместной игры. Это был настоящий джаз, который изливал нескончаемый поток музыкальных идей. Музыканты молниеносно подхватывали темы друг друга, развивая их, а затем соединяли в новые блестящие формы. Кроме этого, пианисты часто выступали вдвоем перед публикой в концертных залах. 

3. Шопен

Изначально Мошелес не принимал творчество Шопена: «В целом, я нахожу его музыку часто слишком слащавой, недостаточно мужественной, и вряд ли глубокой». Это мнение разделял и Мендельсон, который написал другу: «Сборник мазурок Шопена и несколько его новых произведений настолько манерны, что их трудно вынести». И, тем не менее, Мошелес был страшно рад возможности встретиться с композитором и сыграть с ним. Когда он услышал игру Шопена, отношение изменилось настолько, что Мошелес написал: «Впервые я понял его музыку». Выдающиеся пианисты играли в Сен-Клу на музыкальном вечере в присутствии принцессы Аделаиды и герцогини Орлеанской. По очереди они исполняли пьесы собственного сочинения, а затем вместе - сонату в четыре руки Мошелеса. Зрители бурно апплодировали.

4. Изобретатель и активист 

Заслугу изобретения сольного фортепианного концерта приписывали Листу. Он, конечно, был первым, кто заявил об этом. Даже есть «официальная» дата - 9 июня 1840 года, когда Лист применил термин «сольный концерт» к своей программе. Однако Мошелес сделал это тремя годами раньше, когда изобрел свои исторические «суаре» – сольные музыкальные вечера. Он обдумывал эту идею и обсуждал ее с друзьями еще тремя годами раньше, причем некоторые называли её авантюрной. Газеты также предсказывали, что вечер фортепианных композиций будет скучным. Их опасения оказались необоснованными. Мошелевские «суаре» сыграли важнейшую роль в возрождении старинной музыки в XIX веке. На этих вечерах пианисты играли произведения Фрескобальди, Куперена, Скарлатти, Рамо, Генделя, Баха.

5. Эрудиция

Музыкальная эрудиция Мошелеса была огромной. Он досконально знал все школы, и мог показать на примерах прогресс и трансформацию композиторского искусства в разные периоды. Он знал, как усвоить стиль, присущий различным произведениям мастеров клавесина и фортепиано. В «Музыкальном журнале» за 1840 год читаем: «У Листа - самая сильная рука в Европе: Шопен - самый изысканный; Тальберг - самый элегантный и грациозный; Гензельт - самый сентиментальный; Мендельсон - самый нервный и пылкий; Мошелес - самый непринужденный во всех стилях музыки».

6. Исполнитель

Главной целью Мошелеса было заставить инструмент петь. Он представлял старую классическую школу, к которой принадлежали Клементи, Гуммель и Филд. Ее очарование – в акценте на певучей линии и итальянской вокальной традиции, которая была неотъемлемой чертой лейпцигской школы фортепианной игры. До появления Листа фортепианная музыка, главным образом, была основана на мелодии, затрагивающей сердце слушателя. Начиная с Листа, фортепианная игра перешла от певучести к попытке воспроизведения оттенков оркестрового тембра. 

Подобно Гуммелю, Калькбреннеру и многим другим известным пианистам-композиторам XIX века, влияние и слава Мошелеса постепенно угасли после его смерти. Однако в последние годы исполнители вновь начали включать в свои программы произведения этого замечательного человека, великого в своем искусстве.

Для написания этого небольшого текста я использовал объемную монографию о Мошелесе 2014 года. В сети о композиторе на русском языке практически ничего нет.  

[Штальбург]

ПУТЕВОДИТЕЛЬ

Понимаю, что такие путеводители не будут популярны. Мошелес – не Рахманинов и не Брамс. Но это тот музыкальный «бульон», без которого невозможно в полной мере понять и оценить композиторов первого ряда. Кроме того, в репертуаре этих музыкантов действительно есть бриллианты, вызывающие восторг не меньший, чем произведения признанных гениев. О них и пойдет речь.

У Мошелеса, несомненно, был свой голос. Его прекрасные этюды - op. 70, 95, двенадцать больших концертных этюдов, op. 121, три прекрасных каприса являются образцами мастерства.

Что нужно послушать непременно?

1. 2-й, 3-й и 4-й Концерты для фортепиано с оркестром. Говард Шелли в знаменитом Гиперионовском боксе записал их все. У Мошелеса – восемь концертов. Очень хороший звук и исполнение. 

У меня на виниле — вот такой. Купил лет 15 назад запечатанным.  

На диске написано просто – Фортепианный концерт. На самом деле – это третий концерт в исполнении Понти. Как всегда, к Понти никаких вопросов нет, а к звуку VOX есть, как всегда.

2. Секстет и большой септет для фортепиано, скрипки, флейты, кларнета, виолончели и контрабаса можно запросто исполнять наравне с Бетховеном. Эти произведения являются шедеврами с точки зрения ясности музыкального мышления, ведения и развития идей. На указанном CD – прекрасное исполнение. По-моему, только этот древний немецкий камерный ансамбль их и играет (могу ошибаться). Играют здорово, потому что в музыке 18-19 века они - признанные мастера. Клаудиус Тански – профессор Академии «Моцартеум» в Зальцбурге, ученик Бренделя.

3. Два больших трио для фортепиано, скрипки и виолончели. Тут тоже беспроигрышный вариант – патриархи немецкой камерной музыки Гёбель трио.  

4. Великолепный дуэт для двух фортепиано. Может быть есть и лучше исполнение, но тут – двойной Плейёль. На таком и импровизировали Мендельсон и Мошелес. 

4. Восхитительная Большая соната в четыре руки, op. 47

Вот эти шедевры должны знать абсолютно все пианисты. 

5. Кроме этого, я очень люблю Сонаты - 4, 6, 22, 27, 41 и 49. 

Итальянец Мишель Болла прямо-таки начал специализироваться на Мошелесе, потому что записал не только все сонаты, но еще и Этюды. Такая преданность вызывает большое уважение.

И, наконец, мое самое сокровенное и любимое – это Меланхолическая соната. Она имеет только одну часть, но я не знаю ничего более совершенного, вдохновенного и лучше написанного для фортепиано. И это - не гипербола… 

Послушайте этот шедевр. 

 

[Штальбург]

Сольный концерт или концерт с БСО?

Вот на какую тему хотелось бы сегодня порассуждать. Я давно заметил, даже по этой ветке, что концерты для фортепиано с оркестром пользуются большей популярностью, чем фортепиано соло. У меня возникает вопрос: а правильно ли это?

Давайте подумаем. Скажем, если вы хотите насладиться игрой какого-то пианиста, то определенно сольный концерт - в приоритете. Продолжительность концерта с БСО редко превышает 30 минут. Самая короткая программа сольного концерта обычно - не менее 70 минут. Другой показатель разницы между концертом с симфоническим и сольным - сами названия. Термин «концерт» восходит к словам соглашение, союз, где основное внимание уделяется единству, достигнутому между солистом и оркестром. Сольный концерт, с другой стороны, сосредоточен именно на исполнении солиста, в котором пианист имеет возможность дать публике полный отчет о своих способностях. Когда слышишь, как солист играет с оркестром, можно узнать, насколько хорошо или плохо он способен играть с оркестром. Может ли он или она успешно работать с другими людьми? Способен ли музыкант общаться с другими музыкантами? В сольнике чувства и идеи напрямую передаются от музыканта аудтории.

Кроме того, сольные и камерные музыкальные произведения величайших композиторов обычно еще прекраснее, чем их симфонические. Почему? Композиторы, как правило, писали масштабные композиции для заработка, популярности, раскрутки, а более мелкие - для себя и друзей. Чаще всего, эти небольшие произведения представляли собой дистилляцию их гения. Когда Брамс писал свои скрипичные сонаты и сонаты для фортепиано, он сочинял музыку для двух своих самых старых и дорогих друзей - скрипача Йозефа Иоахима и пианистки Клары Шуман. Многочисленные малые произведения композиторы писали для своих возлюбленных. Бетховен сочинял свои 32 фортепианные сонаты и Вариации Диабелли на своем инструменте, чьи возможности и ресурсы он знал досконально. 

Для меня, сольный концерт — это центр фортепианного репертуара, и это, безусловно самое приятное занятие для пианиста. Опять вопрос: почему? Когда пианист готовит концерт с БСО, у него есть ограниченное количество репетиций, в которых он зависит от дирижера и оркестра. В сольной литературе он может потратить неограниченное количество времени, пока не скажет: «Все. Ничего другого я придумать не могу». И так чувствуют все пианисты. 

Я помню, как Ефим Бронфман рассказывал, что, когда он в Америке решил поставить в программу гигантскую сонату Чайковского «Соната соль мажор», которая длится 30 минут и более, то никаких проблем у него не возникало. Но, как он говорил, если бы решил играть сравнительно сложный и незнакомый русский концерт – допустим Глазунова, Медтнера или даже Скрябина, то было бы трудно или даже невозможно найти оркестр, готовый его исполнять. Потому что дирижеры и оркестры на Западе их просто не знают, а значит такие произведения требуют серьезных инвестиций в дополнительное репетиционное время. Когда пианист составляет программы сольных концертов, то он может быть гораздо более изобретательным и независимым в выборе репертуара.

Кроме того, пианист на сольную программу тратит больше времени, делает все тщательно и эмоционально вовлеченно. Например, во время двухсотлетия Листа в 2011 году, Евгений Кисин гастролировал с программой, полностью состоящей из Листа в сольных концертах, а с БСО исполнял концерт Грига ля минор. Хотя Кисин до этого много исполнял разного Листа в предыдущих сезонах, он посвятил почти три месяца на подготовку сольной программы. Для концерта Грига ему потребовалось всего несколько репетиций. Вот каковы инвестиции в сольник по сравнению с концертом с БСО. 

Но самое печальное состоит в том, что сокращается число сольных концертов и серьёзно. Причина обычно состоит в том, что хорошие пианисты стоят дорого, но они не набирают залы. Нужно заполнить зал, чтобы оправдать большой гонарар. А почему не набирают? Да потому что в жизни аудитории настолько доминируют телевидение и интернет, что люди стали реагировать только на визуальные, нежели звуковые стимулы. Публике нужна большая картинка. В принципе, люди утрачивают способность слушать. 

В конце 19-го века и начале 20-го века, место, которое сейчас занимают телевидение и Интернет, в центре дома занимало фортепиано. В те времена вечернее развлечением для семьи было собраться вокруг инструмента и заниматься музыкой. И если в город приезжал хороший пианист, то все хотели пойти его послушать.

Я убежден, что есть такие великие музыканты, например, как Фрейре, Моравец или Раду Лупу, которые настолько тонкие, что слушать их вне сольного концерта - пустая трата времени. Вы знаете, каким пианистам завидуют другие пианисты больше всего? Тем, кто имеет роскошь сконцентрироваться на сольных концертах и не зависеть от концертных ангажементов. 

Именно на сольнике открывается вся магия инструмента. Вот почему звезды фортепиано всегда ярче всего сияют в сольном концерте.

[Олег Б]

7 минут назад, Штальбург сказал:

Но самое печальное состоит в том, что сокращается число сольных концертов и серьёзно. Причина обычно состоит в том, что хорошие пианисты стоят дорого, но они не набирают залы. Нужно заполнить зал, чтобы оправдать большой гонарар. А почему не набирают? Да потому что в жизни аудитории настолько доминируют телевидение и интернет, что люди стали реагировать только на визуальные, нежели звуковые стимулы. Публике нужна большая картинка. В принципе, люди утрачивают способность слушать. 

А Г.Соколов и М. Плетнев тоже не "набирают"?

Удивительно.

[Штальбург]

12 минут назад, Олег Б сказал:

А Г.Соколов и М. Плетнев тоже не "набирают"?

Удивительно.

В Америке Карнеги-холл на сольных концертах набирает только один пианист - Кисин. Все.

[nikotin]

42 минуты назад, Штальбург сказал:

Я давно заметил, даже по этой ветке, что концерты для фортепиано с оркестром пользуются большей популярностью, чем фортепиано соло. 

У меня как раз наоборот. Очень люблю именно солопианные записи

[Штальбург]

2 минуты назад, nikotin сказал:

У меня как раз наоборот. Очень люблю именно солопианные записи

Вот жаль здесь нет возможности сделать опрос. Было бы интересно, кто бы выиграл этот баттл...

[nikotin]

53 минуты назад, Штальбург сказал:

Вот жаль здесь нет возможности сделать опрос. Было бы интересно, кто бы выиграл этот баттл...

Да возможность то есть, только вот я тоже не умею. Можно попросить модератора прилепить к теме голосовалку. Только тему надо создавать именно в рамках Клуба любителей классики, чтобы не набежали разные тролли. Но все равно сомневаюсь что тема будет популярной. 

[Staudio]

Великолепное выступление Е.Кисина.
Думал, что после него будет неинтересно слушать Ланг Ланга, а ведь у него просто потрясающе получилось, легко и непринужденно...

Появилась мысль о том, что фортепианная школа во многом искусственно вогнала исполнение в академичность, когда пианисты стали соревноваться в точности исполнения, многочисленных слоях интерпретаций и смыслов, забыв о том, чтобы быть ближе к публике

 

 

[Штальбург]

3 минуты назад, Staudio сказал:

Появилась мысль о том, что фортепианная школа во многом искусственно вогнала исполнение в академичность, когда пианисты стали соревноваться в точности исполнения, многочисленных слоях интерпретаций и смыслов, забыв о том, чтобы быть ближе к публике

Интересную тему Вы затронули. Хочется порассуждать над этой мыслью. К сожалению, вынужден бежать на работу. Но вечерком с удовольствием...

[Kir]

28 минут назад, Staudio сказал:

Появилась мысль о том, что фортепианная школа во многом искусственно вогнала исполнение в академичность, когда пианисты стали соревноваться в точности исполнения, многочисленных слоях интерпретаций и смыслов, забыв о том, чтобы быть ближе к публике

Да, мысль интересная)). Как человек, немного соприкоснувшийся с этой самой фортепианной школой, могу сказать, что искусственно, наверное, никто никого никуда не вгоняет))). Но (во всяком случае могу сказать по поводу как обычных музыкальных школ, так и той же Гнесинки) и не развивает, конечно, какое-то особое умение "играть на публику".

Там, везде, действительно, насаждается мысль, что "сначала научись играть правильно и профессионально" а затем делай, что хочешь... . А это "что хочешь" - это уже не многим дано... Должен быть особый врождённый артистизм в человеке, ну и раскрепощённость определённая. Что не всегда, кстати, сочетается с многолетним трудом на поприще постижения премудростей академического фортепианного искусства)). 

Это все очень индивидуально. Взять тех же дирижёров... На одного смотреть - скука смертная, хотя всё очень правильно и хорошо делает. А другой - настоящий театр одного актёра )). А учились все - примерно в одних условиях... 

[Staudio]

49 минут назад, Штальбург сказал:

Интересную тему Вы затронули. Хочется порассуждать над этой мыслью. К сожалению, вынужден бежать на работу. Но вечерком с удовольствием...

 

26 минут назад, Kir сказал:

Да, мысль интересная)). Как человек, немного соприкоснувшийся с этой самой фортепианной школой, могу сказать, что искусственно, наверное, никто никого никуда не вгоняет))). Но (во всяком случае могу сказать по поводу как обычных музыкальных школ, так и той же Гнесинки) и не развивает, конечно, какое-то особое умение "играть на публику".

Там, везде, действительно, насаждается мысль, что "сначала научись играть правильно и профессионально" а затем делай, что хочешь... . А это "что хочешь" - это уже не многим дано... Должен быть особый врождённый артистизм в человеке, ну и раскрепощённость определённая. Что не всегда, кстати, сочетается с многолетним трудом на поприще постижения премудростей академического фортепианного искусства)). 

Это все очень индивидуально. Взять тех же дирижёров... На одного смотреть - скука смертная, хотя всё очень правильно и хорошо делает. А другой - настоящий театр одного актёра )). А учились все - примерно в одних условиях... 

Совсем не хочу сказать, что мне не нравится поиск интерпретаций и смыслов. Это развивает и помогает найти новые грани. Но вот живость Ланга подкупает. Причем она показывает также и великолепнейшую технику и свободу владения инструментом. Ведь он не теряет форму, не теряет длинну и точность мыслей и фраз. Просто остается не на едине с инструментом и произведением при полном зале, а как раз наоборот, ведет диалог с залом. 

[Штальбург]

5 часов назад, Kir сказал:

Но (во всяком случае могу сказать по поводу как обычных музыкальных школ, так и той же Гнесинки) и не развивает, конечно, какое-то особое умение "играть на публику".

 

5 часов назад, Kir сказал:

Должен быть особый врождённый артистизм в человеке, ну и раскрепощённость определённая.

По правде сказать, «артистизм» исполнителя не только не противоречит «академизму», а подразумевает его. Во многом причина артистизма у ряда исполнителей – это не их врожденный дар и уж, тем более, не раскрепощенность. Исполнение произведения на публику является очень большим стрессом для музыканта, очень. Об этом, если интересно, можно написать целый пост. Напомню, что Марта Аргерих всячески избегает концертов по причине боязни сцены. У Гульда тоже была эта проблема. Так вот, во многом причина артистического поведения – это реакция исполнителя на стресс, создающей эмоциональную избыточность и экзальтацию. Странно ведь, когда спокойный человек приходит в бешенство, садясь за фортепиано. И именно, когда исполнительская техника пианиста очень высока, то есть высока настолько, что ему не нужно постоянно контролировать свой контакт с инструментом, все идет на автомате (а это достигается исключительной академической подготовкой), то у него появляется большое количество избыточной, резервной энергии, которую во время исполнения нужно куда-то тратить. Другими словами, этой лихорадке нужен выход. Если у среднего пианиста, вся энергия уходит на концентрацию при игре (он мучительно представляет как он сыграет следующий сложный пассаж и т.д.), то у виртуоза при исполнении ряда произведений такой проблемы просто нет. Опять же, по причине выдающейся академической подготовки! И тут возникает главный вопрос: артистизм пианиста - спонтанный или спланированный? То есть существует два вида артистизма: 1) артистизм как продукт хорошо функционирующего, чуткого и выразительного игрового механизма, который не мешает технике и созданию тона; 2) тот, который вызван чрезмерным физическим и эмоциональным напряжением, как результат плохо работающего механизма. Второй случай — это постоянное напряжение, искаженные, спастические движения, мимика, которые являются очень часто симптомами плохой техники, ухудшающей качество звука. Оба типа производят на зрителей сильное впечатление. Но во втором случае – это обычно отрепетированный артистизм, который скрывает, опять же, недостаточную академическую подготовку. Дошлый зритель это поймет и будет кривиться, но в большинстве своем зрители будут считать, что так и надо: «Какой артистичный пианист!». 

Дело в том, что действительно спонтанные рефлекторные движения у музыканта могут возникнуть в любой момент. Их не нужно культивировать (то есть формировать в консерватории как навык «играть для зрителя») и они убедительны. Они убедительны, когда не культивируются! Если хорошо функционирующий человеческий организм обладает избыточной энергией, он будет генерировать свои собственные манеры, которые будут интересны зрителям. И это - естественная физиологическая реакция. Преподавать ее невозможно. И зритель всегда поймет, что они не отрепетированы и не маскируют дурную технику. Никто не возмущался гримасами Горовица или Хейфеца, потому что они были художниками, наделенными сильным личностным началом, а главное - техническим совершенством и прекрасным звуком. 

У Лан Лана блестящая техника и первый тип артистизма. Но он иногда использует и довольно примитивные штампы, которые, по крайней мере, все пианисты видят и знают. Он очень любит «мыть пол левой ногой» или «эстафетный бег», когда в конце фразы одна рука резко выбрасывается назад, а другая - резко вперед. Это уже – «шоу-бизнес». Но хоть - не «чмокальщик», когда пианист сыграет ноту и многозначительно затягивается… 

[Штальбург]

5 часов назад, Staudio сказал:

Просто остается не на едине с инструментом и произведением при полном зале, а как раз наоборот, ведет диалог с залом. 

"Диалог с залом" - это, конечно же, красивая фраза....Пианист всегда наедине с инструментом во время исполнения. Игра на сцене – это адское напряжение для пианиста. На его игру влияет очень много факторов – состояние здоровья, беспокойство, страх, тревога, паника, шум в зале, новое акустическое окружение и т.д. Здесь очень много физиологии. Это и изменение частоты пульса, дыхания, обменных процессов и т.д. Как правило, наш пульс и дыхание на сцене перед зрителями сильно ускоряется. Это серьезно влияет на чувство времени, а значит – на темп. Если темп немного медленнее нашего сердцебиения, то он нас успокаивает. Если темп быстрее сердцебиения, то он стимулирует. Когда пианист на сцене, то пульс быстрее обычного. Повлияет это на наш темп игры? Да, безусловно. Так вот, первоочередной задачей при исполнении является установление правильного темпа, то есть того, который был установлен в репетиционном зале, когда пульс был нормальным. На сцене этот темп может показаться медленным. И, наоборот, темп, который кажется на сцене правильным, может быть слишком быстрым. И что важно для пианиста в этом случае? Уметь внимательно себя слушать и тогда он может приспособиться к укоренным физиологическим процессам и сохранить правильный темп. Поверьте, для пианиста не важно, что он чувствует в момент исполнения, а важно то, то он слышит. С опытом, это расхождние исчезнет, но не всегда. Чтобы установить более медленный темп нужно удлиннить паузы, дышать глубже, медленнее. Если пианист все это напряжение может контролировать, то оно может превратиться в преимущество, потому что добавляет импровизационное качество, которое может сделать выступление блестящим.  

[Staudio]

46 минут назад, Штальбург сказал:

 

 

По правде сказать, «артистизм» исполнителя не только не противоречит «академизму», а подразумевает его. Во многом причина артистизма у ряда исполнителей – это не их врожденный дар и уж, тем более, не раскрепощенность. Исполнение произведения на публику является очень большим стрессом для музыканта, очень. Об этом, если интересно, можно написать целый пост. Напомню, что Марта Аргерих всячески избегает концертов по причине боязни сцены. У Гульда тоже была эта проблема. Так вот, во многом причина артистического поведения – это реакция исполнителя на стресс, создающей эмоциональную избыточность и экзальтацию. Странно ведь, когда спокойный человек приходит в бешенство, садясь за фортепиано. И именно, когда исполнительская техника пианиста очень высока, то есть высока настолько, что ему не нужно постоянно контролировать свой контакт с инструментом, все идет на автомате (а это достигается исключительной академической подготовкой), то у него появляется большое количество избыточной, резервной энергии, которую во время исполнения нужно куда-то тратить. Другими словами, этой лихорадке нужен выход. Если у среднего пианиста, вся энергия уходит на концентрацию при игре (он мучительно представляет как он сыграет следующий сложный пассаж и т.д.), то у виртуоза при исполнении ряда произведений такой проблемы просто нет. Опять же, по причине выдающейся академической подготовки! И тут возникает главный вопрос: артистизм пианиста - спонтанный или спланированный? То есть существует два вида артистизма: 1) артистизм как продукт хорошо функционирующего, чуткого и выразительного игрового механизма, который не мешает технике и созданию тона; 2) тот, который вызван чрезмерным физическим и эмоциональным напряжением, как результат плохо работающего механизма. Второй случай — это постоянное напряжение, искаженные, спастические движения, мимика, которые являются очень часто симптомами плохой техники, ухудшающей качество звука. Оба типа производят на зрителей сильное впечатление. Но во втором случае – это обычно отрепетированный артистизм, который скрывает, опять же, недостаточную академическую подготовку. Дошлый зритель это поймет и будет кривиться, но в большинстве своем зрители будут считать, что так и надо: «Какой артистичный пианист!». 

Дело в том, что действительно спонтанные рефлекторные движения у музыканта могут возникнуть в любой момент. Их не нужно культивировать (то есть формировать в консерватории как навык «играть для зрителя») и они убедительны. Они убедительны, когда не культивируются! Если хорошо функционирующий человеческий организм обладает избыточной энергией, он будет генерировать свои собственные манеры, которые будут интересны зрителям. И это - естественная физиологическая реакция. Преподавать ее невозможно. И зритель всегда поймет, что они не отрепетированы и не маскируют дурную технику. Никто не возмущался гримасами Горовица или Хейфеца, потому что они были художниками, наделенными сильным личностным началом, а главное - техническим совершенством и прекрасным звуком. 

У Лан Лана блестящая техника и первый тип артистизма. Но он иногда использует и довольно примитивные штампы, которые, по крайней мере, все пианисты видят и знают. Он очень любит «мыть пол левой ногой» или «эстафетный бег», когда в конце фразы одна рука резко выбрасывается назад, а другая - резко вперед. Это уже – «шоу-бизнес». Но хоть - не «чмокальщик», когда пианист сыграет ноту и многозначительно затягивается… 

Думаю, Вы излишне сгущаете краски. Вижу со стороны это несколько иначе. Действительно хороший музыкант, когда добивается поистине высокой техники и свободы выражения своих мыслей - имеет возможность не закрываться наедине с инструментом. Он его уже освоил, освоил и произведение. Может на ходу делать некоторые акценты в выученном тексте в зависимости от ситуации. Таким вижу Ланга или, например, Рубинштейна. Гульд - да, аутист по сути, что не умаляет его вклада. 

Большинство же тех, кого можно наблюдать сейчас - натужно сражаются с инструментом и произведением, возможно, и с самим собой, вместо того, чтобы делиться произведением с публикой.

[Штальбург]

3 минуты назад, Staudio сказал:

Думаю, Вы излишне сгущаете краски.

Я не сгущаю. Я говорю о том же, что и Вы. 

 

10 минут назад, Staudio сказал:

Может на ходу делать некоторые акценты в выученном тексте в зависимости от ситуации.

В этом состоит импровизационный компонент исполнения, но это очень не просто. Вы должны услышать фразу в голове, потом мгновенно ее сыграть. А если быстрые пассажи... 

[Staudio]

24 минуты назад, Штальбург сказал:

если быстрые пассажи... 

Давно заучены до автоматизма)

[Штальбург]

19 минут назад, Staudio сказал:

Давно заучены до автоматизма)

Неет.. Это к виртуозу не относится. Виртуоз подходит к каждому исполнению как к уникальному событию. Именно поэтому он готов, прежде всего, рисковать. Виртуозность - это воображение и смелость. Генрих Нейгауз говорил, что виртуозный стиль - это стиль "озаренный пронизывающими лучами интуиции". Горовиц говорил, что он никогда не играл одно произведение два раза одинаково. 

[Kir]

4 часа назад, Штальбург сказал:

По правде сказать, «артистизм» исполнителя не только не противоречит «академизму», а подразумевает его. Во многом причина артистизма у ряда исполнителей – это не их врожденный дар и уж, тем более, не раскрепощенность. Исполнение произведения на публику является очень большим стрессом для музыканта, очень.

Немного противоречащие друг другу высказывания. 

Артистизм - это врождённое качество. Не важно, в какой сфере деятельности подвизается человек... Для артиста, музыканта, особенно претендующего на сольные выступления, оно должно быть, если не в обязательной (тот же Рихтер не был столь уж артистичен), но в желательной степени. 

"Раскрепощённость на публике" - это немного другая сторона медали. Например, я знаю много прекрасных учёных, совершенно не умеющих читать лекции на большие аудитории... А наоборот - есть весьма заурядные специалисты, но прекрасно себя чувствующие хоть на стадионных аудиториях.... 

[Staudio]

Наверное, и с другой стороны посмотреть можно. Почему не люблю Хворостовского особо, несмотря на потрясающий вокал? Потому что исполнял с одной и той же "маской" будь то трагические, будь то лирические произведения.

Так и пианисты. Далеко не все произведения драматичны, далеко не все написаны, чтобы проявить пианистическую технику. Все же большинство написаны для слушателя  , для того, чтобы вызвать эмоции у него, а не для того, чтобы поражаться технике исполения. Наверное так? 

Соответственно, и пианист должен быть частью этого действа, по крайней мере, в концертном исполнении. А то иной раз сидишь и переживаешь за пианиста, а справится ли с тем или иным пассажем... 

Так ли это должно быть? Или все же пианист должен создавать то же настроение, что и задумал композитор? Быть с ним в одной струе?

Могу себе представить волнение пианиста или любого другого исполнителя перед выходом... но если репертуар у тебя легкий и непринужденный, то все же нужно и подавать его так же, а не через страдания