Наши статьи

[Paradox]

Мощнейшая ветка, давно следил за ней из под тишка. Пока касалось чисто классики и отдельных исполнений произведений было не особо интересно, но вот психология исполнителя на сцене и его взаимодействие с залом совсем другое дело. Если можно выделите в отдельную тему в отрыве от конкретных произведений. Спасибо! 

[Staudio]

1 минуту назад, Paradox сказал:

Мощнейшая ветка, давно следил за ней из под тишка. Пока касалось чисто классики и отдельных исполнений произведений было не особо интересно, но вот психология исполнителя на сцене и его взаимодействие с залом совсем другое дело. Если можно выделите в отдельную тему в отрыве от конкретных произведений. Спасибо! 

Если это оправданно, то почему бы и нет? Нужно придумать название новой ветке.

[Paradox]

Штальбург в этом просто виртуоз, просьба к нему. 

[Штальбург]

8 минут назад, Kir сказал:

Артистизм - это врождённое качество.

Есть такая точка зрения. Но есть и другая, утверждающая, что человек без явных врожденных способностей может достичь высокого уровня артистического мастерства через обучение, практику и упорную работу. Например, с помощью имитации. Изучение поведения, наблюдение над стилем великих актеров или музыкантов может очень серьезно развить собственную творческую интуицию или дать вдохновение, которое станет толчком для развития таких артистических навыков, которых раньше и в помине не было. Здесь и упорная работа перед зеркалом, просмотр своих видеозаписей, их анализ. То же самое артистическое общение с публикой нарабатывается музыкантами годами, приходит с опытом. Сценическая привлекательность - это результат большого труда. Здесь и работа над мимикой, над своим визуальным образом и эмоциональными жестами. К примеру, пианисты, чтобы развить грацию при выступлении начинают заниматься танцами. Физическая подготовка дает лучшую осанку, контроль над своим телом во время выступления. Артистизм складывается из всего этого. Это очень объемное и комплексное понятие. 

 

[Штальбург]

11 минут назад, Paradox сказал:

но вот психология исполнителя на сцене и его взаимодействие с залом совсем другое дело. Если можно выделите в отдельную тему в отрыве от конкретных произведений. Спасибо! 

Если эта тема интересна, то я готов делиться соображениями по этим вопросам пока на этой ветке.  

[Kir]

6 минут назад, Staudio сказал:

пианист должен быть частью этого действа, по крайней мере, в концертном исполнении. А то иной раз сидишь и переживаешь за пианиста, а справится ли с тем или иным пассажем... 

Так ли это должно быть? Или все же пианист должен создавать то же настроение, что и задумал композитор? Быть с ним в одной струе?

Тут есть много разных случаев)). Есть, безусловно, и те, когда начинаешь переживать за пианиста... Думать, что немного не по себе дерево он пилит))). 

Это, в основном, начинающие музыканты. У по настоящему серьёзных исполнителей не так ведь много и композиторов, которые они исполняет... Тот же Рихтер больше всего любил Бетховена, Дебюсси, Вагнера... Это ведь, ещё должно сочетаться и с внутренними струнами самого исполнителя... 

[Штальбург]

15 минут назад, Staudio сказал:

Наверное, и с другой стороны посмотреть можно. Почему не люблю Хворостовского особо, несмотря на потрясающий вокал? Потому что исполнял с одной и той же "маской" будь то трагические, будь то лирические произведения.

Так и пианисты. Далеко не все произведения драматичны, далеко не все написаны, чтобы проявить пианистическую технику. Все же большинство написаны для слушателя  , для того, чтобы вызвать эмоции у него, а не для того, чтобы поражаться технике исполения. Наверное так? 

Соответственно, и пианист должен быть частью этого действа, по крайней мере, в концертном исполнении. А то иной раз сидишь и переживаешь за пианиста, а справится ли с тем или иным пассажем... 

Так ли это должно быть? Или все же пианист должен создавать то же настроение, что и задумал композитор? Быть с ним в одной струе?

Могу себе представить волнение пианиста или любого другого исполнителя перед выходом... но если репертуар у тебя легкий и непринужденный, то все же нужно и подавать его так же, а не через страдания 

Ох вот это очень интересный пост. Но у меня уже 1.38. Оставим что-то и на завтра.

[Paradox]

3 минуты назад, Штальбург сказал:

Если эта тема интересна, то я готов делиться соображениями по этим вопросам пока на этой ветке.  

Конечно, очень интересно. 

[Paradox]

1 минуту назад, Штальбург сказал:

Ох вот это очень интересный пост. Но у меня уже 1.38. Оставим что-то и на завтра.

У нас 23-40, а это +2 часа, глубокая Сибирь

[Kir]

7 минут назад, Штальбург сказал:

Есть такая точка зрения. Но есть и другая, утверждающая, что человек без явных врожденных способностей может достичь высокого уровня артистического мастерства через обучение, практику и упорную работу. Например, с помощью имитации.

Это из области "быть" и "казаться"... . Да, в принципе возможно полностью или почти полностью "переиначить себя"... Те же актёры... самые гениальные... Полное вхождение в образ. Но этого надо очень захотеть... Этот образ должен быть чем-то очень интересен (не обязательно близок). 

[Штальбург]

12 часов назад, Kir сказал:

Тот же Рихтер больше всего любил Бетховена, Дебюсси, Вагнера... Это ведь, ещё должно сочетаться и с внутренними струнами самого исполнителя... 

Совершенно согласен. Это называется «идеосинкратическая игра». Полагаю, именно поэтому большинство исполнителей тяготеют к репертуару, для которого их лучше всего подготовили природа и интеллект. Хороший музыкант будет работать над созданием связи между сознанием композитора и своим собственным, чтобы при исполнении музыки казалось, что она исходит именно от него. Композитор обязательно отступает назад, а исполнитель делает шаг вперед. Если пианисту удастся установить связь между своим сознанием и сознанием композитора, то его исполнение будет динамичным. исполнения. Мы все были на концертах, где нет связи между исполнителем и музыкой, где в основе исполнения - просто "игра по нотам". Когда я иду на концерты, я боюсь стать свидетелем пустого пространства между пианистом и музыкой. Как заполнить это пустое пространство? С помощью воображения, и задолго до выхода на сцену. Иногда во время концерта возникает ощущение, что "пустое пространство" заполняется за счет показухи. Вот тут в пору говорить о «показном» артистизме. Однако большинство серьезных музыкантов проделывают эту работу заранее. Если пианист интроверт, и музыка кажется ему задумчивой и интимно-доверительной, ему полезно проработать эту мысль, потому что, когда он это сделает, то слушатели распознают алхимическую связь между ним и музыкой. Если он экстраверт, и чувствует, что музыка рвется наружу, чтобы быть выраженной в великолепных виртуозных цветениях, то аудитория будет чувствовать себя очень комфортно с его подходом. Но по поводу "Я" исполнителя и музыки, я чуть позже набросаю отдельный пост.

[Штальбург]

12 часов назад, Staudio сказал:

Все же большинство написаны для слушателя  , для того, чтобы вызвать эмоции у него

 

12 часов назад, Staudio сказал:

Так ли это должно быть? Или все же пианист должен создавать то же настроение, что и задумал композитор? Быть с ним в одной струе?

Я расскажу одну историю, свидетелем, который был. Одна девушка играла начало последней фортепианной сонаты Шуберта очень медленно и серьезно, склонившись над клавишами, как будто на ее плечи все заботы мира свалились. 

Преподаватель: «А чего ты так медленно играешь? Здесь - «molto moderato», но это же не медленная ремарка». 

Пианистка: «Я так играю медленно, потому что знаю, как все печально будет в конце сонаты. Я же не могу сделать вид, что не знаю, правда ведь?» 

Вот здесь одна из существенных головоломок исполнителя: когда пианист играет произведение для других, как оживить его для тех, кто слышит его впервые? Мы должны знать и в то же время не знать. В этой сонате Шуберта вступление представляет собой простую, сдержанную мелодию, рассчитанную на спокойное исполнение в умеренном темпе. Кроме загадочной трели в басу, там нет никаких намеков на что-то темное. По мере знакомства со всем произведением пианист обнаруживает, что начальная мелодия была лишь первым шагом, а затем будет неуклонное движение к жуткой печали. К тому времени, когда исполнитель доходит до конца, он можем оглянуться назад и удивленно покачать головой, вспоминая первые шаги и то, какими простыми они казались. Значит ли это, что в следующий раз, когда мы будем играть эту пьесу, мы должны с первых тактов дать понять, что мы знаем, что ждет нас за углом? Или наша задача - преподнести музыку так же просто, как ее преподносит нам композитор? 

Диалог продолжается:

Преподаватель: «Если вы начнете очень медленно и печально, вы лишите зрителя возможности почувствовать, как Шуберт пытается охватить как можно больше эмоциональных моментов от начала до конца. Поэтому, Шуберт начинает просто, и вы тоже должны так играть». 

Пианистка: «Но я больше не слышу начало как «простое». Если бы я играла так, я бы притворялась. Ведь это же я играю это произведение. Разве мое исполнение не должно быть окрашено моим пониманием этого произведения?». 

Преподаватель: «Я не хочу, чтобы вы притворялись. Вы знаете произведение, поэтому у вас есть преимущество ретроспективы. Вы можете использовать его, чтобы представить все в правильной перспективе для аудитории. Если вы сыграете вступление очень медленно и печально, то что? Вы хотите, чтобы они были впечатлены вашим пониманием произведения? Конечно, важно, чтобы вы его поняли, но, когда вы его исполняете, внимание должно переключиться на зрителя. Они должны понять, что в начале все кажется тихим и безмятежным. А затем они должны "понять" большие изменения, но только тогда, когда они происходят. Если вы сможете заставить их увидеть это, они поймут произведение именно так, как хотел Шуберт».

Вот такова кухня. Вот так все сложно. Пианист долго работает над произведением, все больше осознает, что его понимает. Но он не должен быть эгоцентричными. Для него важен другой вопрос: что должен понять слушатель? Как он должен воспринять эту историю? 

[Штальбург]

Ну, и еще одна зарисовка на поднятую тему

Выражать себя в исполнении или не выражать?

Есть такая фраза, адресованная исполнителю: «вы не ищете произведения, вы ищете себя в произведении». Человек так устроен, что главным его интересом является самовыражение. И музыка, как бы, существует для того, чтобы исполнитель в ней самовыразился. Композитора уже нет, и теперь переживание исполнителя выходит на первый план, становится самым важным. Я солидарен с позицией теоретиков, которые имеют другой взгляд на эту ситуацию. В конце концов, композитор вдохновляет исполнителя, а не пианист – композитора. Если музыкант полагает, что собственные чувства и переживания – мерило его искусства, то ведь эти чувства могут оказаться ограниченными и бедными по сравнению с мыслями и чувствами человека, который написал музыку и полагался на музыканта, чтобы тот передал ее слушателем. Почему пианист, к примеру, начинает в какой-то момент считать, что его духовный мир богаче мира Шопена или Бетховена, или соразмерен этому миру? Если речь идет о Рубинштейне или Горовице, то, когда они играют, то дают нам Бетховена, переосмысленного через их богатую художественную природу и ставшего для нас ярким и прекрасным именно благодаря ей. А если это – не гении пианизма?

Вот была великая Клара Хаскил. Говорят, она могла «исчезать» во время игры. Эта её способность без всякого эгоизма передать Моцарта настолько чисто, насколько это возможно, не пытаясь при этом уместить рядом Клару Хаскил. Можно привести сравнение с окном: окно исчезает, когда я смотрю через него на реку. Если я слушаю Клару Хаскил и чувствую, что слышу не ее, а Моцарта, то это - признак высочайшего мастерства. Но, с другой стороны, ведь всякий исполнитель хочет (от этого никуда не деться), чтобы зритель заметил, что это именно он способен так «исчезнуть», что именно он самоотверженно стоит в сторонке во славу человека, чью музыку он исполняет, или во славу самой музыки. Другими словами, пианист выражает себя за счет способности исчезнуть. Это парадоксально, но это должно быть так. Быть большим музыкантом – это умение находиться в постоянном напряжении между появлением и исчезновением в момент исполнения. 

[Штальбург]

СОЛЬНЫЙ МЕНДЕЛЬСОН

 Я тут намедни написал о Мошелесе и его дружбе с Мендельсоном. Хороший повод уделить внимание и Феликсу – всегда молодому, чистому, свежему и весеннему.

Мендельсон – это, наверное, один из самых недооцененных композиторов эпохи романтизма. В свое время он был полубог, а ныне его не считают великим. Я сейчас говорю о фортепианном творчестве. Да, квартеты Мендельсона – важная часть камерного репретуара, симфонии и увертюры – оркестрового, ну а скрипичный концерт – бессмертный шедевр, который обязан исполнить любой звездный скрипач. Однако же фортепианная музыка всегда оставалась в тени Шопена и Листа. Мендельсон – это интермеццо между композиторами, изменившими процесс развития музыки. Есть много музыкантов, которые относятся к нему снисходительно. «Песни без слов» называют «домашней» или салонной музыкой, пригодной для молодых студентов или томящихся юных дев. 

Однако в его музыке существует замечательный баланс между традицией и новаторством, классицизмом и романтизмом. Что я особенно люблю в музыке Мендельсона? Лиризм, душевность, обаяние, юмор, причудливость, поэтическую легкость, элегантность кантабильных линий. Его музыка соединяет зрелую эмоциональную глубину с детской свежестью и наивностью. И это действительно одна из главных задач исполнителя (особенно в фортепианной музыке): передать одновременно страсть и невинность. Сложность музыки композитора для интрпретатора в том, что нужно передать ясность и легкость вместе с большой страстью и глубиной чувств. Кроме того, центральное место у Мендельсона занимает полифония; он задумывал гармонию полифонически. Вообще, фортепинный Мендельсон, как это не покажется странным, в большей степени «композитор для музыкантов». 

Есть ли у Мендельсона сольные произведения, в которых его можно поставить в один ряд с Шопеном, Шуманом или Листом? Да, такие существуют. И все нижеуказанные шедевры я бы взял на необитаемый остров. 

1. «Песни без слов».

Песни – это настоящее изобретение Мендельсона и его вклад в фортепианную литературу. Они просты и необыкновенно поэтичны. Это - лучший пример фортепианного «кантабиле». 

У меня такой бокс на виниле

Пожалуй, многие любители музыки отмечают исполнение Песен Баренбоймом как лучшее, что вообще когда-либо записывал этот пианист. 

2. «Серьезные вариации» (Variations sérieuses). 

Мендельсон их написал, когда один из его друзей безнадежо заболел. Это произведение совершенно точно на уровне Шопена. 

Вот такой винил

Я был счастлив обнаружить и послушать это любимое сочинение Мендельсона в исполнении Нельсона Фрейре.

3. Фантазия, op. 28.

Эта фантазия – абсолютный шедевр, выдающеесе соединение контрапунктического письма и романтического чувства.  

Опять счастливая находка – исполнение Мюррея Перайи.

Мои любимые пианисты исполняют эти замечательные пьесы. Красота!

4. Рондо каприччиозо ми мажор. Потрясающая пьеса. Мюррей Перайа

https://www.youtube.com/watch?v=hVK4wCdiV0E

5. Каприсы Соч.16 

В исполнении Роберто Просседы. Этот итальянский пианист активно занимается продвижением творчества Мендельсона. Для Decca он записал 9 CD с фортепианными произведениями композитора. Кроме того, он нашел незавершенную рукопись Третьего фортепианного концерта, реконструировал ее и записал. Просседа является основателем и председателем «Ассоциации Мендельсона».

https://www.youtube.com/watch?v=440qRa8BZ14&list=RD440qRa8BZ14&index=1

6. Adagio и Presto agitato

Вновь - Роберто Просседа.

https://www.youtube.com/watch?v=kczTQ0XjVCE

Если найдется время на эти сочинения, то, я уверен, вы влюбитесь в фортепианного Мендельсона. Также, как и я. 

 

Чуть позже сегодня - подробный Путеводитель по Первому фортепианному концерту.

[Штальбург]

МЕНДЕЛЬСОН. ПЕРВЫЙ

Фортепианный концерт был предметом вожделения Мендельсона с юности. Когда он писал концерт соль минор в 1831 году (в том же году родились Симфония № 4 и "Гебриды"), двадцатилетний композитор уже имел за плечами не менее пяти попыток сочинений в этом жанре! Концерту предстоял метеоритный взлет славы, а Мендельсон отметил: «Никогда в жизни я не имел такого успеха; восторженная публика объявила его моим лучшим произведением". В течении столетия после смерти композитора его музыка пыталась вернуть себе былую славу, страдая от немецкой пропаганды, клеймившей ее как «дегенеративную». Между началом звукозаписи и окончанием Второй мировой войны исполнений не было. В этот период была сделана только одна запись - Бенно Моисеевича с оркестром Королевского Альберт-холла в 1925 году. Долгожданное возрождение композитора наконец-то произошло в послевоенные годы, вызвав волну записей. На сегодняшний день их около 60-ти. С конца 40-х концерт серьезно пересматривают, а величайшие имена выстраиваются в очередь, чтобы его исполнять. 

ПУТЕВОДИТЕЛЬ

 Во-первых, этот концерт неподвластен возрасту – от 80-ти летней Беллы Давидович (Delos, 2008)

до 15-ти летней Элен Хуанг с Куртом Мазуром (Teldec, 1997), который записал этот концерт еще и с Юджей Ванг на DG, в 2009 г.  

Следующая группа – особенно популярные в настоящее время версии с камерным оркестром, среди которых есть прекрасные исполнения:

1. Мартин Хельмхен, Херревеге и Королевский филармонический оркестр Фландрии (Pentagon, 2010).  В целом, восхитительная интерпретация. Пианистическая строгость, точность. Моцартианская версия, очень изысканная. Великолепная звуковая палитра, светящееся фортепиано. Не хватает мощного фона, оркестрового колорита. Кроме того, в Анданте несколько прозаичен, как будто чуточку теряет энтузиазм. Посещает произведение, но не переживает. Для аудиофилов - SACD.

2. Ларс Фогт и Парижский камерный оркестр (Ondine, 2021). Замечательно. Захватывающая первая часть. Здесь как раз-таки камерный аспект исполнения – сильная сторона. Невероятные контрапункты музыканта, который, кажется, дирижирует со своей клавиатуры. Видно, что все продумано. И, тем не менее, мастерство пианиста временами просто доминирует над оркестром. Мне показался подход чрезмерно аргументированным, ограничивающим свободу. Эпического дыхания не хватает. Ларс Фогт умер в 32 года, в прошлом году, от рака. 

3. Ян Лисецкий и камерный оркестр «Орфей» (DG, 2018). Это - канадский пианист польского происхождения. В общем, играет как концерт Бетховена или Брамса. Мне понравился замедленный темп. Возникает ощущение чего-то искреннего, трогательного, проникающего в самое сердце. Очень певучее, благородное фортепиано. Оркестр прекрасный, с богатым иструментальным качеством. Ну, может быть, немного волшебства не хватает этому парню.  

Далее, «битва титанов»

6. Рудольф Фиркушный (Turnabout, 1971) отваживается на спонтанное прочтение в тандеме с Луи де Фроманом во главе Оркестра радио Люксембурга. Рудольф явно любит ясность и стремится к разборчивости текста. Все у него на свету. Но в Мендельсоне хочетя и тени. Плохая звукозапись полностью подрывает пианистическую и оркестровую игру, убивая все тонкости. 

5. Андраш Шифф (Decca,1992). Уже легенда. Выделяется здесь ясностью своих прикосновений, блеск которых подчеркивает Шарль Дютуа и Симфонический оркестр Баварского радио. Шифф, конечно, большой специалист по Мендельсону и его кристальные прикосновения приближаются к мендельсоновскому идеалу. Нужно отметить прекрасное свободное дыхание и игру темпов в нежной медленной части. Дютуа и оркестр привносит тонкости цвета. Очень хорошая запись.

4. Гилельс и Кондрашин (RCA, 1951). Любой стереотип о Мендельсоне как о «слишком учтивом», как считали некоторые критики в то время, композиторе немедленно изгоняется очень динамичным дирижированием Кондрашина и превосходной темпераментной игрой Гилельса. Поразительная концертная запись, которую очень портит ее качество. 

3. Мюррей Перайа и Маринер. Идеальная утонченность, устойчивая линия лирических пассажей, необыкновенная плотность тона в каждой ноте. Идеальное соединение классицистской риторики и настоящей романтической драмы. И все это – в сопровождении роскошного оркестра. 

2. Иосиф Каличштейн и Превен, ЛСО (RCA, 1971). Очень малоизвестный у нас пианист, но это - великий педагог и исполнитель. Я скажу так, если бы не следующее исполнение, Каличштейн бы победил всех. Это такая огненная версия, что насытиться ею невозможно. Здесь есть все - дыхание, страсть, волнения. Страшно увлекает. Потрясающая спонтанность и естественность. Повествовательная сила музыкантов такова, что убеждает абсолютно везде. Анданте вообще бесподобно передает чувство глубокой ностальгии. У пианиста и оркестра общее видение, все движутся в одном направлении. 

1. Непревзойденная запись Рудольфа Серкина с Юджином Орманди и Филадельфийским оркестром (CBS, 1957). Вторая попытка Серкина вместе с Монто и Бостонским симфоническим оркестром 1959 года - бледная копия. Это исполнение – просто интимнейшая исповедь пианиста. Глубочайший драматизм, пылкость, благородное прикосновение, ослепительная виртуозность, усиливающая интенсивность музыки создают необыкновенную целостность исполнения. В Анданте – завораживающие, прозрачные созвучия. Просто воздушное фортепиано! Великое повествование, магнетизм и театральное действие – это и есть Серкин с Орманди.  

Нужно отметить также записи, которые мне неизвестны, но интригуют: Шелли (Chandos, 1992), Хаф (Hyperion, 1997), Тибоде (Decca, 1997) Лорти (Atma, 2009), Ланг Ланг (DG, 2003). 

Ну теперь, кажется, все. Слушайте превосходный концерт Мендельсона!

 

 

 

[ishiwata san]

10 часов назад, Штальбург сказал:

СОЛЬНЫЙ МЕНДЕЛЬСОН

Отлично написано и как всегда интересно , спасибо Женя !

Хотя, твоя тема про фортепьяно, разреши немного отступить от заданного направления. 

 Просто, не могу не упомянуть прекрасные  Духовные произведения Мендельсона.

Любимейшая мной оратория "Илия" и более ранняя "Павел", по моему глубокому убеждению нисколько не уступают произведениям Баха. 

 

[Штальбург]

1 час назад, ishiwata san сказал:

Отлично написано и как всегда интересно , спасибо Женя !

Хотя, твоя тема про фортепьяно, разреши немного отступить от заданного направления. 

 Просто, не могу не упомянуть прекрасные  Духовные произведения Мендельсона.

Любимейшая мной оратория "Илия" и более ранняя "Павел", по моему глубокому убеждению нисколько не уступают произведениям Баха. 

Спасибо тебе, Юра! Илия для меня – безусловный и один из любимейших шедевров Мендельсона. Но только не Корбоз..

Специально для тебя составил свои любимые записи, которые я тебе горячо советую:

1.Маккриш решил воссоздать особый восторг от исполнения "Илии" на Бирмингемском фестивале 1846 года, задействовав те же составы, что и композитор. Во время кульминаций, например, во вступительном хоре, мощь хорового звучания вызывает мурашки по коже.

2.Заваллиш один из самых преданных интерпретаторов Мендельсона, чья огромная оперная карьера является одной из лучших в мире. Вот эта ранняя версия – самая замечательная, на мой взгляд. Просто там выдающиеся солисты - Тео Адам, чей Илия обладает вагнеровским благородством. Элли Амелинг и Петер Шрайер не менее убедительны. Однако настоящим героем этой записи является Лейпцигский Гевандхаус, оркестр, который дал первое немецкое исполнение этого произведения. Послушай, с затаенным дыханием, как они нагнетают напряжение в своем захватывающем исполнении Увертюры.

3. Никто не может соперничать с драматическим диапазоном Брина Терфела в его изображении пророка. Другие певцы также превосходны, особенно Джон Марк Эйнсли и Рене Флеминг. Пол Дэниэл здорово дирижирует. 

Но номер 1 для меня вот эта запись – здесь, во-первых, Берлинская Академия старинной музыки. Исполянет на аутентичных инструментах просто феноменально. Ханс-Кристоф Радеманн великолепен. 

[Kir]

25.05.2023 в 17:16, Штальбург сказал:

Если музыкант полагает, что собственные чувства и переживания – мерило его искусства, то ведь эти чувства могут оказаться ограниченными и бедными по сравнению с мыслями и чувствами человека, который написал музыку и полагался на музыканта, чтобы тот передал ее слушателем. Почему пианист, к примеру, начинает в какой-то момент считать, что его духовный мир богаче мира Шопена или Бетховена, или соразмерен этому миру? Если речь идет о Рубинштейне или Горовице, то, когда они играют, то дают нам Бетховена, переосмысленного через их богатую художественную природу и ставшего для нас ярким и прекрасным именно благодаря ей. А если это – не гении пианизма?

Это из области "теории" уже конечно всё... Но то, что Вы написали, очень близко граничит с постоянно сейчас муссируемой темой в театральном мире: надо ли максимально придерживаться авторских концепций произведений, или использовать их только как "общую канву", а акценты, да и трактовку, порой, уже делать по замыслу того или иного постановщика или худрука... 

Я за "классические" трактовки. Хотите сделать новое, своё, сочиняйте сами... и флаг вам в руки). 

Но то, что касается именно исполнительского таланта... даже гения... Тут вопрос очень неоднозначный. М

Мне кажется, что чем гениальнее само произведение, тем больше возможностей у гениального исполнителя показать все его самые сильные стороны... Может быть даже те, которые сам композитор не до конца понял, когда его писал. Но произведение от этого никуда не девается.. Оно не просто узнаваемо.. оно "до боли узнаваемо"... 

А вот когда начинаются возможности для "творчества"... т.е. исполнитель вносит всё больше и больше своего в авторскую версию... это уже называется джаз...))). 

[Штальбург]

8 минут назад, Kir сказал:

Я за "классические" трактовки. Хотите сделать новое, своё, сочиняйте сами... и флаг вам в руки). 

А какие трактовки в музыкальном исполнении Вы называете "классическими"?

[Kir]

3 минуты назад, Штальбург сказал:

А какие трактовки в музыкальном исполнении Вы называете "классическими"?

Ван-Клиберн... Мария Гринберг, Кисин, Рихтер... 

[Штальбург]

14 минут назад, Kir сказал:

А вот когда начинаются возможности для "творчества"... т.е. исполнитель вносит всё больше и больше своего в авторскую версию... это уже называется джаз...))). 

Но если бы исполнитель не вносил "своего", мы бы не имели такого многообразия исполнений, чем и прекрасна классическая музыка...

[Kir]

5 минут назад, Штальбург сказал:

Но если бы исполнитель не вносил "своего", мы бы не имели такого многообразия исполнений, чем и прекрасна классическая музыка...

Согласен. И вот в этом и есть главная тонкость... Свои акценты, паузы...Но в рамках авторского замысла... который, порой, уже никто и не знает... 

Увы. До нас не дошли прижизненные исполнения Вагнера, Бетховена, Моцарта... 

[ishiwata san]

18 минут назад, Штальбург сказал:

Но только не Корбоз..

Ой, у меня к Корбозу особо-заинтересованное  отношение, это как первая любовь, ничего не могу с этим поделать. 

29 минут назад, Штальбург сказал:

Заваллиш один из самых преданных интерпретаторов Мендельсона

Полностью согласен, Женя, трактовка Заваллиша  бесподобная !

Но если говорить о записи самой-самой, от которой у меня "мурашки по коже"... 

Это исполнение Роберта Шоу на TELARC.

 

[Штальбург]

1 минуту назад, Kir сказал:

Свои акценты, паузы...Но в рамках авторского замысла... который, порой, уже никто и не знает... 

Ну с эти трудно не согласиться. А что касается "авторского замысла, который никто не знает", то это не совсем так. Композиторы очень заботились по поводу своего замысла и оставляли очень подробные указания в разных редакциях. Так что реконструировать замысел вполне даже реально, если исполнитель глубоко изучает музыкальную литературу. И, кстати, именно по этой причине очень важны архивные записи тех исполнителей, которые хорошо понимали замысел композитора, поскольку могли общаться с ним или людьми, близкими к нему. Кроме того замыслы композитора передаются его ученикам. Бетховен учил Черни, Черни - Листа, Лист- Таузига, Таузиг учил Генриха Барта, а Генрих Барт учил Кемпфа. И как говорил Кемпф, когда "я исполняю Бетховена, Вы должны стоять передо мной по стойке смирно".

[Kir]

13 минут назад, Штальбург сказал:

Бетховен учил Черни, Черни - Листа, Лист- Таузига, Таузиг учил Генриха Барта, а Генрих Барт учил Кемпфа.

Именно так. Но тут возникли разговоры об "эмоциональности", ""артистичности" и тп, подчас, якобы идущими вразрез с авторским видением... 

Но я не готов тут вступать в очень профессиональные разговоры на эту тему... Моё "внедрение" в классическую музыку закончилось 35 лет назад... С тех пор я очень фрагментарно что-то читаю на эту тему... Ну и слушаю.. Но тоже не профессионально уже. Я не слушаю разные трактовки одного и того же произведения и тп... Так что, увы, я стал в последние годы обычным любителем... Ставлю раз в две-три недели пластинку или компакт-диск какой-либо классики, из того, что, как говорится. " в голову взбредёт"... но совершенно не думаю даже, кто там исполнитель..))