Наши статьи

[disco market]

19.04.2023 в 13:29, nikotin сказал:

А он ответил что он Шопена любит, но считает что для по настоящему хорошего исполнения музыки Шопена, требуется узкая специализация.

Неужели есть такое понятие у пианистов как специализация по композиторам?

[Staudio]

7 минут назад, disco market сказал:

Неужели есть такое понятие у пианистов как специализация по композиторам?

Композитора нужно понять, прочувствовать, изучить. Исполнители по разному к этому подходят - помимо, собственно, работы c нотами и партитурами, изучают биографию, переписку, ездят по памятным местам композитора, копают архивы. 
Это касается не только пианистов, но и, например, вокалистов высокого уровня.

Поэтому да, специализация есть - кому-то лучше удается передать идею композитора, кому-то хуже, кто-то доносит лучше до слушателя, кто-то хуже, чье-то понимание ближе публике, чье-то кажется менее очевидным. 

[disco market]

1 минуту назад, Staudio сказал:

Композитора нужно понять, прочувствовать, изучить. Исполнители по разному к этому подходят - помимо, собственно, работы нотами, изучают биографию, переписку, ездят по памятным местам композитора, копают архивы. 
Это касается не только пианистов, но и, например, вокалистов высокого уровня.

Поэтому да, специализация есть - кому-то лучше удается передать идею композитора, кому-то хуже, кто-то доносит лучше до слушателя, кто-то хуже, чье-то понимание ближе публике, чье-то кажется менее очевидным. 

Спасибо, друг.

[nikotin]

1 час назад, Staudio сказал:

Композитора нужно понять, прочувствовать, изучить. Исполнители по разному к этому подходят - помимо, собственно, работы c нотами и партитурами, изучают биографию, переписку, ездят по памятным местам композитора, копают архивы. 
Это касается не только пианистов, но и, например, вокалистов высокого уровня.

Поэтому да, специализация есть - кому-то лучше удается передать идею композитора, кому-то хуже, кто-то доносит лучше до слушателя, кто-то хуже, чье-то понимание ближе публике, чье-то кажется менее очевидным. 

Да, конечно, но все же я думаю что Брендель в своем ответе прежде всего имел в виду какие то технические тонкости свойственные пианизму Шопена. Но думаю что тут Женя Штальбург более точно ответит.

[Штальбург]

33 минуты назад, nikotin сказал:

Да, конечно, но все же я думаю что Брендель в своем ответе прежде всего имел в виду какие то технические тонкости свойственные пианизму Шопена.

Я думаю, что Брендель имел в виду ритм, который имеет важнейшее значение у Шопена. Это его "польская сторона" не дает возможность многим пианистам его почувствовать. Огдон, например, говорил, что он не чувствует эту ритмику. Когда его исполняешь, нужно внутри себя танцевать мазурки. Брендель такой ритм не способен пропускать через себя и поэтому понимает, что не сможет играть Шопена как надо. Техническая сторона, конечно же, важна. Если пианист специализируется на Шопене, то он должен играть легато, арпеджио и октавные пассажи очень легко, красиво и точно, потому что это характерные элементы музыки Шопена. А чтобы играть знаменитое шопеновское легато в руках, запястьях должна быть особая гибкость, а также нужно быть точным в использовании педали. Брендель, кстати, сам всегда говорил, что педаль - не его сильная сторона. А для арпеджио нужны быстрые пальцы, нужно правильно распределять вес тела, чтобы ноты звучали на одинаковой громкости. Исполнитель должен знать как менять темп, динамику, артикуляцию, чтобы музыка того или иного композитора звучала естественно. Любой пианист, как и любой профессионал, имеет свои сильные и слабые стороны. Есть индивидуальные особенности техники, которые могут не подходить к какому-то музыкальному стилю. Здесь даже имеет значение инструмент, на котором играет пианист. Пианист может специализироваться на каких-то аспектах игры. В зависимости от композитора, его стиля, пианист может уделять какому-то техническому аспекту игры большее вниманиеи развивать его, доводить до совершенства. Специализация включает большое количество компонентов.   

[Штальбург]

Привет, друзья!

 

«Рапсодия на тему Паганини» Рахманинова – любимое произведение и вот почему. Мне всегда не хватало в С.В. контрастов и игривости (ну сколько можно меланхолии!), и, наконец-то, я услышал у него эмоционально приятное сочинение, которое разбавляет депрессивный музыкальный мир композитора. Даже те, кто не любят Рахманинова, считают это произведение впечатляющим. Оно плотно и очень умно выстроено, в нем нет ни одного лишнего такта. Это - самое исполняемое произведение Рахманинова. 

Тема взята из последнего 24- го каприса Паганини Соч. 1 для скрипки соло. Этот знаменитый сборник уже вдохновлял Листа, Шумана и Брамса. В 1934 году настала очередь и Рахманинова. Вариации можно сгруппировать на три части (1-10; 11-18; 19-24), хотя часто они исполняются без пауз. Самая знаменитая – 18 вариация, которая выглядит вполне самостоятельно. Эта пьеса постоянно звучит в саундтреках к фильмам и сборниках, включая бесчисленные романтические сборники. Однако произведение – больше суммы его частей и лучше наслаждаться им целиком. Вначале Рахманинов назвал его «Симфонические вариации на тему Паганини», потом передумал и заменил на «Фантазию для фортепиано с оркестром в форме вариаций». И, наконец, остановился на «Рапсодии». Композитор всегда испытывал естественное родство с темой и вариационной формой, и только что, в 1931 году, написал «Вариации на тему Корелли» для соло фортепиано. Во многих отношениях новое произведение стало развитием предыдущей работы плюс гамма оркестровых красок. Важным аспектом нового опуса Рахманинова стало использование в качестве мотивного контртезиса к теме Паганини старинного церковного песнопения Dies irae, которое преследовало Рахманинова на протяжении всей жизни и стало его идеей фикс.

Мировая премьера Рапсодии состоялась 7 ноября 1934 года в Балтиморе в сопровождении Филадельфийского оркестра под управлением Леопольда Стоковского. После нескольких исполнений в США премьера произведения состоялась в Великобритании, сначала в Манчестере в 1935 году, а затем в Лондоне с Королевским филармоническим оркестром и Сэром Томасом Бичемом. Ну а потом последовали другие европейские премьеры. RCA Records решила записать это произведение с первым премьерным составом, и диск был выпущен на красном лейбле HMV.

 

ПУТЕВОДИТЕЛЬ ПО ПАГАНИНИ-РАПСОДИИ

 1930-ые: Кроме эталонного исполнения Рахманинова и Стоковского, которое необходимо послушать, если вы всерьез увлекаетесь этим произведением, следует указать на следующую выдающуюся запись.

Бенно Моиссевич. Первая запись после Рахманинова 1936-го года с Лондонским Филармоническим оркестром под управлением Сэра Генри Вуда. Самая мощная - с Бэзилом Камероном и Ливерпульским оркестром 1938 года. Везде в этих записях – полное отождествление со стилем композитора, безграничная внутренняя свобода, спонтанность, миллионы цветовых оттенков. Просто завораживающее впечатление от прослушивания. Naxos как раз издал с Камероном. Если бы мне предложили взять одну запись на необитаемый остров – это был бы Моисеевич. И плевать на архивный звук. 

1940-ые: Выделю одну – 

Уильям Капелл. Я читал у одного известного пианиста (не вспомню, кого именно), что это исполнение – лучшее из тех, которые он слышал. Речь идет о студийной записи 1951 года с Фрицем Райнером. Что отличает? Необыкновенная легкость прикосновений, сухая и четкая артикуляция и поступательное движение вперед. Со сложными текстурами он обращается с невероятной легкостью как будто у него 12 пальцев. Тонкость фразировки, элегантность… Понимаю, почему он потрясает воображение профессиональных пианистов. А для слушателей – это будет просто очень эмоциональное прочтение. Настоящий винтаж!

1950-е Много хороших записей. Выделю две. 

Леон Флейшер. Запись с Селлом и Кливлендом, 1957 год. Оркестр и солист здесь – одно целое. Двигаясь в головокружительном темпе, они исполняют произведение словно на одном дыхании. Нигде нет натянутости или напряжения. Просто образец структурного единства исполнения. 

Филипп Энтремон. Здесь французский пианист - в самом расцвете, с Филадельфийским оркестром и Орманди, 1958 год. Филадельфийский оркестр давно связан с Рахманиновым, который, по слухам, считал его самым любимым. Темпы взяты быстрые, энергичные, но все детали очень четкие. Это хорошо сбалансированная запись с теплой атмосферой, а оркестр обеспечивает яркую и артикулированную поддержку. Единственный минус – микрофоны близко расположены к фортепиано. 

1960-е: Записей много. Я уже не раз упоминал Уальда с Горенштеном. Хороша запись Огдона с Филармонией. Но я выделю одну – 

Гари Графман. Очень утонченный пианист, с максмиально сбалансированным музицированием. Прочтение 1964 года с Нью-Йоркским филармоническим оркестром и Леонардом Бернстайном. Элегантная фразировка, палитра цветов и прекрасный оркестр Ленни. Настоящая аналоговая эпоха!

1970-ые. Здесь и Ван Клиберн с Орманди и Кондрашиным, и Тамаш Вашари с Юрием Арановичем, и др. Но выделю опять же одну –

Владимир Ашкенази. Ашкенази записал Рапсодию дважды, в 1970 году - с ЛСО и Андре Превином и 1986 году - с Бернардом Хайтинком и оркестром Филармония. Его мастерское исполнение очевидны в обеих записях. В первой записи контрасты вырисовываются более четко, а быстрые вариации исполняются с язвительной виртуозностью в духе Паганини (вариации 8, 15, 24 и др.). Мне это очень нравится. С Хайтинком все более сглажено, но тоже убедительно. 

1980-ые. Много хорошего – Белла Давидович с Ярви, Фельцман с Метой, Кошич с Эдо де Ваартом. Выделяю –

 Михаил Плетнев. Личная история Плетнева с этим произведением началась еще в школьные годы. Три его записи - две концертные и одна студийная - совершенно не похожи друг на друга. Их объединяет мощная идентификация с музыкой в сочетании с чувством свободы и индивидуализмом. Несмотря на яркую образную игру, Плетнев никогда не переступает стилистическую черту, всегда оставаясь по-своему художественно убедительным. В ранней концертной версии с Темиркановым и Кировским оркестром присутствует сырая спонтанность. Качество звука его студийной работы с Либором Пешеком и оркестром "Филармония" лучше сбалансировано и более утонченное. Существует и поздняя версия - с Аббадо и Берлинцами. Где-то есть на видео, поищите. Выбираю 1983 год, на Мелодии. 

1990-ые годы как-то нечем особо не примечательны. Алексеев с Темиркановым неплохую запись сделал, Тибоде – с Ашкенази и Кливлендом. Но особо никого отмечать не буду.

2000-ые годы можно отметить Луганского с Сакари Орамо и Стивена Хафа с Андрю Литтоном (См. Путеводитель по концертам). Запись Хафа очень хороша. 

Ну и 2010-2020-ые. Здесь я уже в предыдущем путеводителе упоминал Трифонова с ФСО и Яником Незе-Сегеном. Опять же - Филадельфийцы, большая традиция, отличное исполнение. Можно отметить и Лизу де ля Саль с Фабио Луизи. 

Выделю три записи –

Бехзот Абдураимов. Если вы еще не слышали этого уникального узбекского пианиста, то восполните пробел. Очень современное прочтение. В прекрасном сотрудничестве с Симфоническим оркестром Люцерна под управлением Джеймса Гафигана, пианист предлагает беглое, динамически слаженное исполнение, где каждая деталь кажется на своем месте, звучание чувственное, но без жеманства. Бехзот отказывается от броских жестов в интересах музыкальной целостности. То, что надо.

Анна Федорова. Страстное, спонтанное и сияющее исполнение Анны Федоровой умело поддерживается Симфоническим оркестром Санкт-Галлена с Модестасом Питренасом - во главе.

Юджа Ванг. А вот нравится мне эта китайская суперзвезда. У Юджи озорной стиль, где-то даже гершвиновский. Она контрастирует с традиционным романтическим стилем (например, Клиберна), виртуозностью (Ашкенази) или аккуратностью (Луганского). В этом исполнении есть живость и блеск. Ранняя запись Ванги – вообще одна из ее лучших. Вместе с Клаудио Аббадо, Малеровским камерным оркестром, 2011.

Ну все, друзья. 10 исполнений x 20-25 минут ≈ 250 мин. 4 часа прослушивания, и вы - эксперты по Рапсодии! 

[Serg53]

04.05.2023 в 11:07, Штальбург сказал:

Серж Гензбур и Шопен

Спасибо! Очень интересно и никогда бы не подумал о таком проникновении Шопена в поп музыку. Гензбур был очень популярен и в СССР - на магнитофоне конечно ( винил не издавали))

Я поделился материалом с Вашего поста на другом форуме ( малоизвестном).  Конечно с ссылкой на Вас и эту тему. Надеюсь это можно было. Мы там как то обсуждали  заимствования из классики в поп и рок музыке.

[Штальбург]

32 минуты назад, Serg53 сказал:

Спасибо! Очень интересно и никогда бы не подумал о таком проникновении Шопена в поп музыку. Гензбур был очень популярен и в СССР - на магнитофоне конечно ( винил не издавали))

Я поделился материалом с Вашего поста на другом форуме ( малоизвестном).  Конечно с ссылкой на Вас и эту тему. Надеюсь это можно было. Мы там как то обсуждали  заимствования из классики в поп и рок музыке.

Гензбур очень много заимствовал из классики. Например

Poupée de Cire, poupée de son

Эту песню исполняла Франс Галль на конкурсе Евровидение в 1965 году. Ее написал Гензбур, вдохновленный четвертой частью фортепианной сонаты № 1 Бетховена.

Или Charlotte for Ever

С первых нот вы узнаете "Андантино" Арама Хачатуряна, которое закладывает основу для этого дуэта отца и дочери 1986 года.

Или Baby Alone in Babylon

На этот раз 3-я часть Симфонии № 3 Иоганнеса Брамса представляет песню в исполнении Джейн Биркин.

Или Инициалы Б.Б. (Initials B.B.)

В свое время Бриджит Бардо сказала, что это самое прекрасное объяснение в любви, которое делал мужчина когда-либо. Для создания этого признания Генсбур позаимствовал свою музыку из 1-й части Симфонии № 9 Антонина Дворжака. Перейдите на 04:25 симфонии в клипе, чтобы увидеть заимствование 

https://youtu.be/ZW69cZwc6pM

Все это Вы легко найдете в ютюбе. Так что будет, что обсудить на "малоизвестном" форуме. Удачи!

 

 

[ishiwata san]

04.05.2023 в 16:08, Штальбург сказал:

Брендель такой ритм не способен пропускать через себя и поэтому понимает, что не сможет играть Шопена как надо.

Я, конечно, извиняюсь, перед поклонниками таланта Альфреда Бренделя. 

  Но Брендель довольно  "узкий" исполнитель в плане репертуара. 

 

[ishiwata san]

10 часов назад, Штальбург сказал:

«Рапсодия на тему Паганини» Рахманинова ...

Превосходно, Женя ! 

"Рапсодия на тему Паганини" тоже включена в праздничный плейлист.  

[Штальбург]

51 минуту назад, ishiwata san сказал:

Но Брендель довольно  "узкий" исполнитель в плане репертуара.

Хорошая тема. Есть группа пианистов Шнабель-Серкин-Брендель-Шифф, которые воздвигли гегемонию австро-немецкой музыки. Если композитор - не Бах, Бетховен или Брамс, ни Шуберт или Шуман, то в нем нет глубины и он считается второсортным и не заслуживающим внимания. Вся немецкая музыка – это олимпийкая по масштабу музыка, а остальные – внизу, во второй лиге. Именно благодаря этим ребятам (и Брендель там одна из ключеввых фигур) составили меню и кормят нас одной и той же предсказуемой диетой из Бетховена, Брамса и Шумана. В результате мы сидим на огромном сундуке с сокровищами музыки, о которой большинство меломанов не знает абсолютно ничего. Почему мы допускаем такую иерархию в музыке? Существует ли высший арбитр вкуса, который ставит Четвертый концерт Бетховена на первое место, а Четвертый Сен-Санса – на последнее? В начале века играли лишь несколько концертов Моцарта.Теперь, слава Богу, почти половина из них - стандартный репертуар. Но для того, чтобы изменить ситуацию, понадобились Бузони, Сен-Санс и несколько других выдающихся виртуозов. Они были авантюристами, они рискнули. Потребовался Стивен Хаф, чтобы вытряхнуть пыль из ля-минорного концерта Гуммеля и Четвертого концерта Шарвенки и напомнить нам о том, как забытые произведения могут нас восхищать. Потребовались смелые звукозаписывающие лейблы, такие как Vox, Hyperion и Dutton, чтобы дать нам возможность услышать, чего мы не слышали. Потребовался Дюдамель, который ввел в репертуар Первый концерт для фортепиано с оркестром Хинастеры (и сыгранный Серзио Тьемпо). И сейчас, говорят, везде на нем полные залы. Да, есть произведения, которые не находятся в одной лиге с Бахом и Брамсом, но это не значит, что их не надо слушать и играть. Я за тех, кто рискует и дает нам возможность услышать, то, что мы еще не слышали. А Брендель (и не только он)… «Ну не орел он, не орел…»

[ishiwata san]

5 часов назад, Штальбург сказал:

Так что будет, что обсудить на "малоизвестном" форуме

Не такой уж он и "малоизвестный" этот форум "Доктор Голова". 

[ishiwata san]

1 минуту назад, Штальбург сказал:

Хорошая тема.

Я Тебе ещё не мало таких тем буду  накидывать, ну так - не торопясь ... 

 

[Штальбург]

Только что, ishiwata san сказал:

Я Тебе ещё не мало таких тем буду  накидывать, ну так - не торопясь ...

Ты бы лучше в клубе открыл тему про женщин-пианисток и был бы там хедлайнером. А я бы поддержал. Я тебе даже название ветки придумал - "Классическая музыка в женских руках"

[ishiwata san]

1 час назад, Штальбург сказал:

Ты бы лучше в клубе открыл тему про женщин-пианисток

Не, Женя, тема фортепьяно это не про меня. 

Хотя отношение (как меломана) к этому инструменту у меня очень хорошее. 

Мой, всё же, самый любимый инструмент это скрипка, а из жанров БСО и Духовная сольно-хоровая музыка. 

Но Я знаю, тут есть большие поклонники фортепьянно-исполнительского искусства, а также клавесина.

Они правда, пока предпочитают больше читать ...

Хочется надеяться, что вскоре будут и писать. 

Кстати, Женя, твоё отношение к такому инструменту как клавесин, клавикорд и прочих молоточковых фортепиано ?

[nikotin]

12 минут назад, ishiwata san сказал:

тема фортепьяно это не про меня. 

У меня наоборот. Фортепианные композиции самые любимые в классике. Для меня это самый интересный инструмент. Самый богатый на эмоции

[ishiwata san]

33 минуты назад, nikotin сказал:

Самый богатый на эмоции

Конечно всё субъективно.

Но, в моём случае,  в отношении "самый богатый на эмоции" безусловно скрипка. 

Скрипка создавалась прежде всего как инструмент имитирующий человеческий голос, самый совершенный музыкальный инструмент.

Интересная статья по этому вопросу.

https://fishki-net.turbopages.org/fishki.net/s/3326461-ona-poet-govorit-i-plachet-pochemu-zvuchanie-skripki-sravnimo-s-chelovecheskim-golosom.html

[Штальбург]

1 час назад, ishiwata san сказал:

Кстати, Женя, твоё отношение к такому инструменту как клавесин, клавикорд и прочих молоточковых фортепиано ?

Ну, клавесин - щипковый. Клавесин, конечно, очаровательный инструмент с хрупким, обрывистым, очень точным суховатым звуком. Для меня его четкость артикуляции дает очень приятное ощущение импровизационности и танца. Мне нравятся серебристые, сверкающие пассажи, молниеносные орнаменты. Так что хорошо отношусь. Фортепиано люблю больше. Люблю его певучий тон, бархатистую звучность, больший диапазон громких и тихих звуков, большую тональную проекцию. Фортепиано выигрывает в динамике, клавесин - в точности. Это как проблема у аудиофилов. Яркий звук или мягкий, бархатистый. Вот и выбирай, что по вкусу  

[Штальбург]

59 минут назад, ishiwata san сказал:

Но, в моём случае,  в отношении "самый богатый на эмоции" безусловно скрипка.

Да, с точки зрения передачи мельчайших эмоциональных нюансов у скрипки нет конкурентов.

[Штальбург]

ЧТО ПОСЛУШАТЬ ПОСЛЕ ПАГАНИНИ-РАПСОДИИ

1. Рахманинов. Вариации на тему Шопена. Вариации 1903 года на тему Шопена в 1903 году стали первым крупномасштабным сольным фортепианным произведением композитора. 22 непрерывные вариации созданы на основе темы до-минорной прелюдии Шопена.

Рекомендую запись Судьбина на BIS, SACD.

2. Витольд Лютославский – Вариации на тему Паганини для двух фортепиано. Написана в 1941 году в окупированной Варшаве. Отсюда настроение вариаций – отчаяние, гнев…Повсюду отсылки к Рахманинову, а также кивки в сторону джаза. 

Тут однозначно – Аргерих и Фрейре

3. Франц Шмидт. Концертные вариации на тему Бетховена

Как и Рахманинов, Шмидт обратился к мелодии начала XIX века для своего набора вариаций для фортепиано с оркестром, а именно - к началу Скерцо из "Весенней" скрипичной сонаты № 5 Бетховена. Это - очаровательное произведение. И если фортепиано звучит чуть менее виртуозно, чем у Рахманинова, то это неспроста. Вариации написаны для левой руки пианиста.

Исполняет Маркус Бекер.

4. С.Франк. Симфонические вариации для фортепиано с оркестром. Это произведение почти на 50 лет предшествует Рапсодии, но по своему характеру ничем не уступает. Франк здорово переплетает вариации. Там есть и мечтательность, и веселье, и все плавно переходит друг в друга. 

Тибоде и Дютуа 

5. Андре Матье. Романтическая рапсодия. Андре Матье - ребенок-вундеркинд, прозванный парижским обществом "канадским Моцартом", учился композиции у Онеггера. Потом вернулся в Монреаль, страдал алкоголизмом и умер в 39 лет. Слушая его буйную и жизнерадостную "Романтическую рапсодию" 1958 года, никогда не подумаешь, что ему было довольно тяжко. Жгучая энергия и чрезвычайная виртуозность пронизывают все 23 минуты произведения. А пышная романтическая оркестровая партитура является прямым указанием на Рахманинова - композитора, которым Матье всегда восхищался.

[Serg53]

16 часов назад, ishiwata san сказал:

Не такой уж он и "малоизвестный" этот форум "Доктор Голова". 

Но теперь малопосещаемый - днём один пост в час во всех темах )) А когда то бурлил. Во многом модерация виновата ( предвзятая была когда одним можно всё- другим нет) и очень многие ушли...

И спасибо за этот путеводитель !  Поищем для ознакомления на " всемизвестном" - стримом не пользуюсь..

05.05.2023 в 06:06, Штальбург сказал:

ПУТЕВОДИТЕЛЬ ПО ПАГАНИНИ-РАПСОДИИ

[Штальбург]

Друзья! Сегодня 7 мая - День рождения Иоганесса Брамса! (Кстати, и Чайковский родился в этот же день)

ФОРТЕПИАННЫЙ БРАМС

Начнем с того, что у Иоганнеса Брамса был дед - Бетховен, а также отец – Шуман. Примечательно, что фортепианное творчество композитора начинается в 1851 году со Скерцо ми-бемоль минор. За ним последовала Соната № 2 (первая опубликованная Соната № 1 появилась чуть позже). Она была создана в тот момент, когда Шуман, уже пораженный безумием, перестал сочинять. Тональность скерцо - «демоническое», произведение отрывистое, что свойственно романтическому стилю. 

https://www.youtube.com/watch?v=wiavnMuFvaY – Скерцо в исполнении Аррау.

Брамс находится под серьезным грузом прошлого. Соната № 2 фа диез минор, посвященная Кларе Шуман, сразу же ставит вопрос, характерный для всего раннего творчества Брамса: как ему стать преемником Бетховена и Шумана? Бетховен в целом остался верен сонате, но при этом развивая ее форму и содержание. Шуман стремился наполнить эту форму свободными тональностями, поэтическим воображением и фантазией. В своих первых двух сонатах Брамс пытается соблюдать академические рамки, используя довольно богатый материал. Это отличало его от бетховенского лаконизма. Прежде всего, ощущается постоянное кипение, бурление акцентов, которые иногда ближе к Листу, чем к Шуману. Возможно, это уже говорит эпический поэт будущих баллад.

https://www.youtube.com/watch?v=se5agQ6dSkc – Соната № 2 в исполнении Рёсселя (1974)

Соната № 1 (фактически вторая) открывается энергичной темой, воспроизводящей ритм первой темы бетховенской сонаты Хаммерклавир. Подражание? Непреднамеренная одержимость? Способ вызвать в памяти великого предка? Точно так же, много позже, тема финала Первой симфонии будет напоминать тему "Оды к радости". Центр тяжести сонаты - медленная часть с вариациями (на старую немецкую песню). Брамс начинает увлекаться фольклором. Сочиняя вариации, композитор следует традиции Гольдбергских вариаций и вариаций Диабелли, примеры которых можно найти также в сонатах Бетховена ор. 106, 109 и 111. 

После первой сонаты, Брамс сразу же начинает Сонату № 3 фа минор, ор. 5, которая доводит до крайности мучившие его противоречия в тот самый момент, когда он, находясь в самом расцвете своей карьеры, знакомится с Робертом и Кларой Шуман. Композитор соблюдает рамки сонатной формы, но ощущается свобода, напоминающая шубертовские экспромты. 

И тут, неожиданно, Брамс бросает сонаты и становится одержим вариациями. Первый набор – Вариации на фортепиано на тему Шумана Op.9. Они основаны на «Цветных листьях» и отностятся к трагическим дням, связанный с прыжком Шумана в Рейн. Брамс пытался всеми силами впитать музыкальную индивидуальность Шумана. Мы знаем, что Шуман придумал двух персонажей- Эусебиуса и Флорестана. Брамс делит свои вариации между Брамсом (это он!) и Крейслером (вымышленный Э.Т.А. Гофманом безумный композитор, вдохновивший Шумана на «Крейслериану»). Иоганнес Крейслер – это для Брамса в значительной степени Шуман. Крейслер против Брамса - первый романтизм с его буйством против второго, более спокойного. Брамс возвращается к вариациям много раз. Это – Вариации

на тему Гайдна Op.56 для двух фотепиано (которые нашли завершение в оркестровой версии), на венгерскую тему Op.21, 21 № 2, 

на оригинальную тему, ор. 21 № 1., на тему Шумана для фортепиано в четыре руки, ор. 23,  Вариации и фуга на тему Генделя, Op.24. 

Вариации на тему Генделя - очень известные. Возможно, это связано с простотой и красотой темы Генделя - его одной арии из Сюит. Брамс взрывает академизм и демонстрирует необузданную фантазию в этих 25 вариациях. Он постоянно варьирует тональность, цвет, повествование. Переходит от старомодных оборотов (№ 22) и загадочных шумановских моментов (№ 5 и № 6) к необыкновенной виртуозности (№ 10 и № 17).

Брамс очень хочет следовать по стопам великих композиторов прошлого века. Он много сочинял на «манер» великих мастеров: сарабанда ля минор (1854), два гавота (1855), жига ля минор (1855), сарабанда си минор (1855), не говоря уже о каденциях к концертам Моцарта (K466 и K491) и Бетховена (ор. 37). 

Вскоре появляются Четыре баллады Брамса, ор. 10. Первая обычно воспринимается как парафраз гердеровской "Баллады об Эдварде", повествующей о мрачной истории отцеубийства. Атмосфера тяжелая, даже фантастическая, можно услышать трехтактовое воспроизведение (Andante, Allegro ma non troppo, Allegro) диалога между Эдвардом и его матерью, которой он признается в убийстве.

https://www.youtube.com/watch?v=RwqJFyE95K8 - Гилельс

В 1862 году, через год после сочинения "Вариаций на тему Генделя", Брамс обосновался в Вене, где он назначается дирижером хора Сингакадемии. Но композитор также хотел заявить о себе как о пианисте-виртуозе. В это время он сочиняет Вариации на тему Паганини. Как и впоследствии Рахманинов, он берет тему 24-го каприса Паганини ля минор. Стиль произведения сильно отличается от предыдущих вариаций. Это высокотехничное произведение с запредельной виртуозностью. В этом произведении - и ностальгия по XVIII веку, и "венгерские" ритмы, и достаточно сентиментальные вариации. 

Вскоре Брамс пишет восхитительное произведение - 16 вальсов Op. 39 (1867). Композитор задумал их для фортепиано в четыре руки, но также опубликовал две версии для сольного фортепиано: одну - более сложную, другую - упрощенную. Однако обе доставят огромное удовольствие.

https://www.youtube.com/watch?v=dIqrWf3B_mI

Самый популярный и горячо любимый – 15-ый вальс. 

https://www.youtube.com/watch?v=oy6uV-eMOEs – в исполнении Киссина.

Далее - Венгерские танцы. Задуманные для фортепиано в четыре руки, они доступные в других версиях. Брамс свободно смешивает танцы различного происхождения (мадьярские, цыганские, румынские), а некоторые темы, которые он адаптировал и усилил, принадлежат не очень популярным венгерским композиторам.

Затем последовал большой перерыв. Брамс переосмыслял свое отношение к инструменту. Началось свободное творчество. Он больше не обращался непосредственно к прошлым формам. Сначала появились 8 Клавирштюков опус 76 (каприччи и интермецци). Каприччи № 1, № 2, № 5 и № 8 – страстные и бурные пьесы. Интермецци – наиболее интересное и любимое у Брамса. Интермецци № 3, № 4, № 6 и № 7 – это самое интимное и поэтичное у композитора.

Следующие - Рапсодии си минор и соль минор, соч. 79, более масштабны, чем Клавирштюки, и в своем мрачном характере возвращают к нордическому духу баллад. Рапсодический дух заключается в изобилии идей и оригинальных гармоний, особенно в длинной разработке Рапсодии соль минор.

https://www.youtube.com/watch?v=LId7GyalXD4 – Марта Аргерих

В 90-х годах Брамс написал произведения, ставшие венцом его творений. 

Семь фантазий соч. 116. Там тоже - каприччо и интермецци. Интермецци выражают осеннюю поэзию с туманными гармоническими контурами. Лучшее в этом сочинении – атмосферное и довольно странное Интермецци № 5 ми минор, который сравнивают с загадочными последними сочинениями Листа. 

https://www.youtube.com/watch?v=i0Fe1xvMBGU

Op. 117 включает всего три три интермецци медленного, мечтательного характера. Пьесы, чуть более длинные, чем в предыдущем сборнике. В последний раз, но уже без былого блеска, Брамс словно обращается к венгерской музыке. 

Сочиненные летом 1893 года 6 Клавирштюков ор. 118 включают четыре интермецци, романс и балладу. Брамс не писал баллад со времен соч. 10. Эта, соль-минорная, короче, но ее героическая энергия напоминает о стиле его молодости. Хотя Брамс назвал эти последние опусы "колыбельными моей боли", его романтизм менее автобиографичен, чем у Шумана или Листа. 

Подобно Шуберту с его привязанностью к популярным темам, Шуману с его чувством лиризма и наследнику Бетховена в структурированном и возвышенном характере его творчества, Брамс установил тонкий баланс между композиционными формами великих мастеров барокко и классицизма и пламенными импульсами романтизма.

Из любимого фортепианного Брамса – Рапсодии Op. 79, № 1 и Рапсодия Op. 76, №2, Баллады Op. 10, № 1-4 и практически все Интермецци.

Ну а впереди – ПУТЕВОДИТЕЛЬ!

[Штальбург]

Сегодня не могу остановиться, потому что обожаю Брамса!

Клавирштюки Op. 118 – моя любовь!

Вот №1 - нервная, бурная пьеса, которая бравурно завершается ля мажором.

No 2 - Интермеццо - спокойное и медитативное произведение.

No 3 - Баллада - написана в задумчивом соль-миноре.  

№ 4 - Интермеццо - фа минор - это суетливое, мучительное и тревожное произведение, наполненное яростью и нетерпением, которое выражается в разрушительных перекрестных ритмах и пульсации. Есть мечтательная центральная часть, но, как всегда, драма возвращается, только чтобы в последних тактах уступить место усталому вздоху.

После всех этих необузданных эмоций наступает № 5 - Романс - прекрасная, невинно звучащая пьеса, которая приносит долгожданное спокойствие. Особенно в средней части с ее птичьими импровизациями и трелями. Romanze навевает мысли об идиллической загородной прогулке вдали от стрессов и напряженной жизни.

И, наконец, мы приходим к № 6 - Интермеццо - удивительному произведению огромной эмоциональной силы и широты, которое заканчивается не в легкомысленном, мажорном ключе, а в совершенно мрачном ми-бемоль миноре.

Конечно, эти произведения нелегко сыграть даже отдаленно хорошо. Однако они ложиться под руку, они пианситичны. Их задача - искренне и точно передать изменчивый характер каждого произведения.

При всех пометках Брамса, "Клавирштюки", кажется, вдохновляют на действительно индивидуальные и контрастные исполнения. Лично мне нравится исполнение Раду Лупу на лейбле Decca, выпущенное в 1990 году (я просто обожаю его игру Брамса).

Однако Иво Погорелич исполняет Интермеццо № 2, которое он записал в 1996 году на DG, в слишком медленном темпе. Погорелича много критиковали за это рецензенты, но Брамс обозначил партитуру Andante teneramente, или "нежно в прогулочном темпе".

То, что грузный, пыхтящий сигарой Брамс, вероятно, ходил со скоростью Погорелича во время ежедневного посещения "Красного ежа" - его любимой таверны в Вене - здесь, вероятно, не имеет значения. Однако важно то, что контрастные интерпретации Лупу и Погорелича подчеркивают, насколько по-разному даже величайшие пианисты реагируют на эти богатые, глубокие и многогранные произведения. И в этом кроется их гениальность.

Клавирштюки опус 118, посвященные его ближайшей подруге Кларе Шуман, входят в число сольных фортепианных и других инструментальных произведений, которые Брамс сочинил в последние годы жизни. Он закончил сборник в 1893 году, за четыре года до своей смерти.

Я считаю, что опус 118 содержит одни из величайших произведений фортепианной музыки когда-либо написанных, каждое из которых представляет собой идеальный баланс формы и свободы выражения. 

[Штальбург]

МАЛЬЧИШЕСТВО БРАМСА. БРАМС И ЖЕНЩИНЫ.

Он родился в лютеранской семье в Гамбурге, на севере Германии. Его родители были скромными людьми: отец - музыкант, мать - швея. Их дом находился недалеко от самого порта. Известно, что в юности он пополнял семейный бюджет, играя на фортепиано в борделях. Играя в гамбургских притонах, бедный Брамс был свидетелем некоторых сцен, которые запомнились ему на всю жизнь. Отношения Брамса с женщинами были очень напряженными. Хотя он более или менее боготворил Клару Шуман, его отношение к другим женщинам-пианисткам он выразил в письме к Фердинанду Хиллеру: "У меня сильное предубеждение против женщин-пианисток, и я старательно избегаю их слушать". И, действительно, с Кларой Шуман он вел себя необыкновенно галантно, но его поведение с другими женщинами было описано словом, которое Брамс всегда использовал в своем лексиконе - "Weibsbilder", то есть - «девки», «бабенки», «шлюшки». Как писал композитор Этель Смит: «Если они ему не нравились, он был невероятно неловок и нелюбезен. Если они были красивы, у него была неприятная манера откидываться в кресле, надувать губы, поглаживать усы и смотреть на них, как жадный мальчишка смотрит на тарталетки с вареньем". У Брамса были на то причины. Макс Фридлендер, который присутствовал на дне рождения Брамса в Вене и был вынужден сопровождать потом пьяного композитора, услышал от него большую тираду в адрес одной, а затем и вообще всех женщин. Это была печальная история. По словам композитора, отец вытаскивал его из постели, чтобы сопровождать танцы и непристойное пение в тавернах гамбургского квартала Санкт-Паули. "Когда парусные корабли заходили в порт после нескольких месяцев непрерывного плавания, моряки выбегали из них, как хищные звери, в поисках женщин, - рассказывал Брамс - И эти полуодетые девушки, чтобы еще больше раззадорить мужчин, между танцами хватали меня за колени, целовали, ласкали и возбуждали. Это было мое первое впечатление от женской любви. И вы ожидаете, что я буду почитать их так же, как вы!". Дочь Клары Шуман Евгения подтвердила, что Фридлендер был не единственным, кто слышал подобные истории. Склонность Брамса к проституткам хорошо задокументирована, и, по слухам, он держал у себя кресло-качалку, которое опрокидывалось, оставляя гостей женского пола в неловких позах. После смерти композитора экономка сообщила, что Брамс был "очень непослушным старым джентльменом".

[Serg53]

4 часа назад, Штальбург сказал:

Сегодня 7 мая - День рождения Иоганесса Брамса! (Кстати, и Чайковский родился в этот же день)

 

Спасибо что напомнили и за очередной путеводитель! Брамс мой любимец ( впрочем и как Пётр Ильич)- но больше знаком и люблю его знаменитые симфонии и концерты. Есть в разном исполнении на разных физических носителях. Надеюсь что как ни будь также интересно расскажите и о симфониях ( о концертах для фортепьяно видимо будет далее). 

Мне очень нравится Брамс от Эмиль Григорьевича .  Баллады и фантазия записанные в 1976 и Концерт №1 в 1972 году.